« Making a Good Script Great » de Linda Seger

« Making a Good Script Great«  de Linda Seger est un guide complet pour l’écriture et la réécriture de scénarios.

Elle y expose des principes et techniques pour améliorer un script existant, en se concentrant sur la structure, les personnages, les dialogues, et les thèmes. Le livre s’adresse à des scénaristes en phase de révision, souhaitant transformer un scénario prometteur en une œuvre aboutit.

Cet article tente de résumer quelques concepts principaux abordés dans le livre.
Donc sans plus tarder entrons dans le vif du sujet !

1. La Structure de l’Histoire

"objectif-scenario"
  • Linda Seger commence en insistant sur l’importance de la structure d’un scénario, en adoptant principalement le modèle en trois actes classiques, mais avec une profondeur supplémentaire.

    Acte 1 : Le Set-up (Mise en place)

    • Rôle : Introduire le héros, l’environnement, et les prémisses de l’intrigue. Seger souligne l’importance de la première scène pour capturer l’essence de l’histoire et du protagoniste. Le spectateur doit être rapidement immergé dans l’univers du film.
    • Exigences : Le premier acte doit aussi établir les enjeux, le désir du héros, et les conflits internes et externes.

    Acte 2 : La Confrontation

    • Rôle : C’est le cœur de l’histoire, où le héros tente d’atteindre son objectif tout en rencontrant une série d’obstacles. Cet acte doit maintenir une montée en tension dramatique en augmentant progressivement les conflits.
    • Points Clés : Seger met l’accent sur le développement du conflit central et sur le rôle des obstacles secondaires pour garder l’histoire dynamique et imprévisible. L’évolution du personnage est cruciale dans cet acte.

    Acte 3 : La Résolution

    • Rôle : Ici, l’histoire se conclut en résolvant les conflits. Le climax de l’histoire est le moment où tout culmine et où le héros doit faire face à son plus grand défi.
    • Conclusion : Seger insiste sur une conclusion claire, logique et émotionnellement satisfaisante. Le héros doit résoudre son conflit interne et externe.
    • Exemple : Dans Rocky, l’acte final se concentre sur le match de boxe qui cristallise le développement du personnage de Rocky, culminant dans son triomphe moral même s’il perd le match.

2. Le Développement des Personnages

  • Linda Seger consacre une grande partie de son livre à l’écriture de personnages riches et complexes, car ce sont eux qui rendent l’histoire captivante.
    N’oubliez pas de leur donner des forces, des faiblesses et des motivations.

    Protagoniste

    • Caractéristiques : Le héros doit avoir des désirs, des motivations claires, et des conflits internes. Seger souligne que le héros doit être actif et non passif, c’est-à-dire qu’il doit prendre des décisions importantes qui façonnent l’histoire.
    • Développement du personnage : Le héros doit évoluer tout au long du récit. Cette évolution est souvent articulée autour de la résolution d’une faille de caractère. Cette faille psychologique doit être en lien direct avec le thème du film.

    Antagoniste

    • Rôle : L’antagoniste doit être plus qu’un simple obstacle ; il doit représenter une véritable opposition idéologique ou morale au héros. Seger insiste sur le fait que le méchant ou l’opposant doit être aussi complexe que le protagoniste.

    Personnages secondaires

    • Rôle : Les personnages secondaires ne sont pas de simples accessoires à l’intrigue, mais doivent également avoir des arcs narratifs. Ils doivent servir à révéler des aspects du protagoniste ou à enrichir le monde de l’histoire.
    • Exemple : Dans Forrest Gump, Jenny et Lieutenant Dan ne sont pas de simples accompagnateurs, mais ils ont des arcs qui reflètent et complètent le parcours de Forrest.

    Concentrez-vous sur les arcs de vos personnages :

    • Établissez un point de départ : déterminez où commence votre personnage et ce qu’il apprend ou comment il change à la fin.
    • Créez des obstacles : présentez des défis qui mettent à l’épreuve les convictions de vos personnages et stimulent leur croissance.

    Avant de vous lancer dans l’écriture, élaborez un plan détaillé qui couvre toutes les scènes majeures et l’évolution de vos personnages. Cela fournira une feuille de route pour votre scénario.

    • Décomposer les scènes : répertoriez le but de chaque scène et la manière dont elle contribue au développement du personnage ou au thème général.
    • Identifiez les conflits : notez les conflits qui surviennent dans chaque scène, car ils sont cruciaux pour la croissance du personnage et l’avancement de l’intrigue.

    Évitez de sauter la phase de description ! Passer directement à l’écriture peut conduire à une histoire alambiquée avec de faibles liens entre les scènes.

3. Le Conflit et la Tension

  • Seger met en avant que l’élément moteur d’un bon scénario est le conflit, aussi bien interne qu’externe.

    Conflit externe

    • Rôle : Ce sont les obstacles concrets auxquels le héros doit faire face, que ce soit d’autres personnages, des circonstances ou des forces externes. Ces conflits doivent être de plus en plus intenses pour maintenir l’attention du spectateur.
    • Exemple : Dans Jurassic Park, le conflit externe est représenté par les dinosaures qui menacent la survie des personnages.

    Conflit interne

    • Rôle : Le héros doit également être en lutte avec lui-même, souvent en essayant de surmonter une faille émotionnelle ou psychologique. Cela donne de la profondeur à l’histoire et humanise le personnage.
    • Exemple : Dans Le Discours d’un roi, le roi George VI doit surmonter son bégaiement et son manque de confiance en lui pour diriger un pays en temps de guerre.

    Tension dramatique

    • Construire la tension : Seger explique que la tension doit être constamment entretenue en mettant régulièrement le héros dans des situations critiques où il doit faire des choix. Chaque scène doit avancer l’intrigue ou révéler quelque chose de nouveau sur les personnages.
    • Exemple : Dans Titanic, la tension monte progressivement avec l’approche du naufrage et les difficultés croissantes auxquelles Rose et Jack font face.

4. Le Thème

  • Seger insiste sur le fait qu’un bon film ne se contente pas de raconter une histoire ; il transmet également un message ou une idée centrale, appelée thème.

    Définir le thème

    • Rôle : Le thème est la question ou la réflexion centrale autour de laquelle l’histoire tourne. Il doit être lié à la transformation du protagoniste. Le thème n’est pas nécessairement exprimé de manière explicite, mais il doit transparaître dans les actions des personnages et la progression de l’intrigue.
    • Exemple : Dans Forrest Gump, le thème principal est la persévérance et la simplicité de la vie malgré les aléas complexes de l’existence.

    Incorporation du thème dans le scénario

    • Exemple concret : Seger suggère que le thème soit intégré dès le début du script et qu’il soit développé subtilement tout au long du film à travers des symboles, des métaphores ou les décisions des personnages.

    Identifiez votre thème : quel message ou quelle idée souhaitez-vous transmettre ? Assurez-vous que votre thème est clair et résonne tout au long du script.

    Intégrez votre thème aux décisions des personnages, aux développements de l’intrigue et aux dialogues pour un récit cohérent.

5. Les Dialogues

  • Seger explique que les dialogues doivent être dynamiques et économes, c’est-à-dire qu’ils doivent révéler des informations essentielles sans être redondants ou trop explicatifs.

    Rôles du dialogue

    • Caractérisation : Les dialogues doivent refléter la personnalité du personnage. Chaque personnage doit avoir une manière de parler distincte.
    • Sous-texte : Seger insiste sur l’importance du sous-texte dans les dialogues. Ce qui est dit n’est pas toujours ce que le personnage pense ou ressent réellement. Le sous-texte ajoute une profondeur psychologique et émotionnelle à l’histoire.
      Lorsqu’un personnage dis quelque chose mais pense autre chose, cela permet de stimuler l’intrigue et la tension de la scène.
    • Exemple : Dans Pulp Fiction, les dialogues entre les personnages sont souvent chargés de sous-texte, révélant plus sur eux que ce qu’ils disent littéralement.


    Un dialogue efficace contient souvent différents niveaux de sens. Pour incorporer un sous-texte :

    • Montrez, ne dites rien (show don’t tell) : permettez aux personnages d’exprimer leurs sentiments par des actions et des indices subtils plutôt que par des déclarations manifestes.
    • Utilisez les conflits : imprégnez les conversations de tensions ou de désaccords pour révéler les émotions sous-jacentes.

    Conseil pratique :

    Lisez votre dialogue à voix haute pour vous assurer qu’il semble naturel et chargé de sens. Cela permet également de trouver la bonne « musique » pour votre dialogue. Je pense qu’un bon dialogue doit aussi bien sonner.

6. Réécriture

  • Linda Seger accorde une grande importance à la réécriture, qu’elle considère comme essentielle pour transformer un bon script en un script excellent. Nous devons accepter qu’il y ait plusieurs versions de notre scénario.
    A titre d’exemple, je fais environ une vingtaine de réécriture pour chacun de mes projets.

    Processus de réécriture

    • Étapes : Seger propose de revoir le scénario en plusieurs étapes, en se concentrant à chaque fois sur un aspect spécifique : d’abord la structure, ensuite les personnages, puis le dialogue, et enfin les détails techniques.
    • Prise de distance : Elle recommande de prendre du recul sur son travail avant de commencer à réviser afin de le voir avec un regard neuf.

    Recueillez des commentaires : partagez votre scénario avec des pairs de confiance ou un groupe de rédaction pour des critiques constructives.
    Ne prenez pas les commentaires personnellement. Considérez-le plutôt comme une opportunité d’améliorer votre script. Vous ne devez pas voir votre scénario comme votre bébé mais comme une machine que vous construisez pièce par pièces. N’oubliez pas de coupler à la puissance émotionnelle de vos histoires, une ingénierie froide scénaristique pour prendre de la distance sur vos œuvres.

Conclusion

  • Transformer un bon scénario en un excellent scénario implique de comprendre la structure, de développer des personnages et de créer des dialogues significatifs. En suivant ces étapes, vous pouvez affiner votre scénario et créer une histoire plus captivante. Pensez à vous inscrire à des cours d’écriture de scénario ou à rechercher un mentorat pour perfectionner davantage vos compétences.

    Si vous voulez aller plus loin vous pouvez regarder ce podcast sur le livre :

  • Ou cette Interview :

  • Sur ce prenez soin de vous et à la prochaine pour plus de contenus !

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