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Les différents types de transitions vidéo fluides (Seamless Transition) :

Neel Naja — Sat, 17 May 2025 13:27:50 +0000

Pourquoi les transitions vidéo font toute la différence ?

Les transitions vidéo fluides (ou seamless transitions) sont devenues la marque de fabrique de nombreux vidéastes et créateurs de contenu.

Des figures comme Daniel Schiffer se sont spécialisées dans le B-roll, tandis que d’autres excellent dans des speed ramps ultra dynamiques.
Des personnes comme Sam Kolder sont aussi connu pour leur transitions créatives :

Cette impression que tout s’enchaîne naturellement, sans jamais décrocher de l’image, est de plus en plus répandue pour dynamiser le contenu.

Une bonne transition, c’est comme un battement de cœur entre deux plans : elle relance le rythme, guide le regard et soutient le storytelling.
Que tu sois vidéaste débutant ou déjà bien expérimenté, travailler tes transitions peut sérieusement booster la qualité de tes vidéos.
Et bonne nouvelle : certaines se préparent dès le tournage, d’autres se peaufinent au montage.

Alors, sans plus tarder, entrons dans le vif du sujet !

PARTIE 1 : Transitions à préparer dès le tournage

Un montage fluide commence avant même d’ouvrir Premiere Pro ou DaVinci Resolve. Voici quelques techniques à penser dès la captation.

🎥 1. Whip Pan (panoramique rapide) – Utilisez le flou de mouvement :

- - Tourne en faisant un mouvement de caméra très rapide (gauche-droite ou haut-bas) à la fin d’un plan.
  - Prenez deux plans avec la même direction et le même flou de mouvement et raccordez-les au moment du flou. Vous aurez l’impression que vous avez changé de décor sans même bouger.
  - Pour avoir un maximum de flou de mouvement, soyez rapide et baisser légèrement l’obturation.

✋ 2. Passage d’objet ou de personne au premier plan (object / person wipe) – Frame fill

C’est une technique très utilisée, que ce soit par les professionnels ou les amateurs. Elle consiste à créer une coupe au moment où quelque chose vient obstruer l’objectif (ce qui créé un noir permettant la coupe). Vous pouvez même utiliser un flare, ou une surex pour blanchir l’image à fond et passer à une autre image.

Filmer une scène où la lumière devient progressivement plus intense ou plus faible (exemple : un réverbère s’allume, un éclairage passe derrière un nuage).
Le plan suivant commence par une variation de lumière similaire.
Le changement de lumière agit comme un guide fluide d’une scène à l’autre.
Lens flare au même endroit de l’image

Que ce soit un passant qui circule devant, un mur qui se trouve dans le champ ou même une porte qui reste fermée, tout peut servir à cette transition.

Fais passer un objet très proche de l’objectif (ex : manteau, mur, main, rideau).
Ces éléments peuvent littéralement cacher la coupe si tu les utilises comme un masque. Tu filmes jusqu’à ce que l’image soit « recouverte », et tu fais la suite du plan de l’autre côté.
Le plan suivant commence avec le même type de passage.

Vous pouvez faire pareil avec une personne qui passe devant la caméra en remplissant tout le cadre (Idéal dans les lieux très fréquenté). Faites deux plans comme ça. Au montage raccorder les deux plans au moment tous le cadre est rempli. Vous pouvez aussi utiliser les masques de première pro pour faire une transition fluide.

Rapprocher la caméra de la porte fermée et couper au moment où l’objectif est collé contre la porte.
Refaites le même plan avec la porte ouverte.
Coller les deux au montage et on aura l’impression que vous traversez la porte.

Terminer un plan avec un mouvement (pan, tilt, travelling). Le mouvement de la caméra doit aller dans la même direction.
Reprendre le mouvement dans le même axe dans le plan suivant.
Donne une continuité visuelle parfaite.

Donnez l’impression que vous passez à travers une porte, un tunnel, une fenêtre…

Entrer dans un espace sombre (comme une porte noire ou un sac à dos).
Le plan suivant ressort d’un autre espace sombre.
Rend la transition narrative et physique.

Transition par une coupe de couleur unie

Utiliser un plan avec une couleur dominante ou un fond uni (par exemple un ciel bleu vif, un mur blanc ou une couleur de lumière spécifique) qui commence un plan.
Le plan suivant commence avec une scène où cette couleur unie est dominante dans l’environnement.
Bien que cette transition soit subtile, elle peut être très puissante pour donner de la cohérence visuelle et une fluidité discrète.

🌀 3. Rotation de caméra (camera roll)

Tourner la caméra en rotation circulaire à la fin d’un plan.
Enchaîner avec une autre rotation dans le même sens.

Super effet lorsqu’on lie deux scènes opposées (jour/nuit, extérieur/intérieur…).

📱 4. Transition écran dans l’écran (in-camera match cut)

J’utilise même des images créer par IA qui affiche un fond vert. Filmer votre scène et zoomer a l’intérieur de l’écran pour qu’on ait l’impression d’être projeté dans la scène :

Filmer un écran (smartphone, télé) de très près.
Enchaîner avec le plan réel de ce qui est affiché à l’écran.

Regardez cette vidéo qui montre un exemple de cette transition, lui il l’appelle le « last frame transition » :

Transition par reflet de verre

Utiliser un verre ou un objet réfléchissant (comme des lunettes de soleil ou une fenêtre) pour capturer une image qui deviendra progressivement un autre plan.
Par exemple, filmer un reflet dans une vitre et faire une coupe pour montrer ce qui est réellement à l’intérieur du cadre.
Très utile pour des scènes urbaines ou des plans en intérieur avec un jeu de lumière.

🧍‍♂️ 5. Changement de position identique (match cut de position)

Il est facile de faire une transition si on garde la même valeur de plan et qu’on fait une mini action.
Je me mets au centre de l’image et je saute. Puis je refais exactement le même plan dans un autre lieu. Je raccorde les deux plans au moment où j’atterris sur le sol pour donner cet effet de transition fluide. Mais je peux aussi le faire avec n’importe quel type de plan, que ce soit en montrant mes pieds quand j’atterris, en claquant des doigts ou même durant un High Five !

Filmer un sujet dans une certaine posture.
Couper vers un autre lieu avec le même sujet, même posture.
Donne une impression de téléportation fluide.

Exemple : 2001, l’Odyssée de l’espace (Kubrick)
— Le cri d’un singe jetant un os devient un vaisseau spatial dans le futur.
→ Transition visuelle (la forme de l’os et du vaisseau) et sonore géniale, liant deux époques par un mouvement et une forme

🏃‍♂️ 6. Course ou mouvement du sujet (match cut dynamique)

La thématique et la suite d’actions peuvent servir à faire des transitions. Quelqu’un plonge dans la mer et vous faites la transition avec quelqu’un qui sort de la piscine par exemple.
Ou même on voit quelqu’un boire un café et vous faites la transition avec vous qui reposez votre verre de jus d’orange.

Filmer un sujet en train de courir ou de se déplacer rapidement.
Le plan suivant commence avec un autre sujet ou un autre décor en mouvement rapide dans la même direction.
Cela crée une transition pleine d’énergie et de continuité visuelle.

Transition par objet ou éléments en mouvement

Utiliser un objet en mouvement (comme un ballon qui vole, une roue qui tourne, ou des personnes qui dansent) pour couper à un autre plan où l’objet ou l’élément revient ou continue son mouvement dans une autre scène.
Cela crée une transition fluide et dynamique.

🌉 7. Sous l'eau ou au-dessus de l'eau

Filmer un plan sous l’eau (dans une piscine, lac, etc.), puis faire une coupe pour sortir de l’eau dans le même angle ou une transition vers un plan dans un endroit similaire.
L’eau agit comme un masque naturel, apportant une transition fluide et organique.
Filmer une scène sous la pluie, dans une tempête, ou avec des effets d’intempéries (neige, vent, etc.).
Dans le plan suivant, on reprend les conditions météorologiques ou les effets visuels similaires, créant ainsi une continuité atmosphérique parfaite entre les deux scènes.
Cette technique peut renforcer une atmosphère particulière ou servir de métaphore pour des transitions dramatiques.

🌠 8. Transition par changement de texture (motif forme couleur)

Choisis des formes rondes comme la lune et le soleil, ou différents types de fleurs, ou un ballon et un hublot etc.
Vous pouvez aussi faire des transitions en jouant avec les couleurs (le bleu d’une voiture et le bleu d’un vêtement par exemple). Mais ça marche aussi très bien avec un ciel bleu dégagé.

Regardez la transition à 49 seconde :

Filmer une texture naturelle (roche, sable, feuilles, etc.) en gros plan.
Utiliser cette texture comme un écran pour faire la coupe vers un autre plan similaire, donnant une impression de continuité par l’environnement.

🌬️ 9. Transition par vent ou souffle

Filmer un élément sensible au vent (par exemple, des rideaux qui flottent, des arbres qui bougent ou une flamme qui vacille).
Le plan suivant commence avec un vent ou un souffle similaire, en apportant une continuité parfaite entre les deux scènes.
Un effet simple mais très efficace pour des vidéos aériennes ou de type documentaire.

CUT bonus simple :

📌 Entrée et sortie de champ

Filmer un sujet qui entre dans le cadre ou en sort est une excellente manière de construire une transition naturelle. Ça donne de la respiration à ta vidéo et permet de structurer ton récit visuellement.

📌 Le raccord dans le mouvement

C’est un classique : tu filmes un personnage qui tourne brusquement la tête à gauche, et tu coupes au plan suivant sur une action qui continue ce mouvement. Le cerveau adore ce type de lien. Pense-y dès le tournage : filme la fin d’un geste pour pouvoir démarrer le suivant sur le même tempo.

PARTIE 2 : Les transitions sonores :

La scène de La Haine de Kassovitz où le breakdancer tourne sur sa tête et la sirène de police se fait entendre est une transition sonore brillante, mêlant action et ambiance pour créer une atmosphère tendue et dynamique. Ce genre de transition sonore peut être un excellent moyen de lier deux scènes ou d’accentuer un passage crucial dans une vidéo. Voici plusieurs idées de transitions sonores inspirées de cet exemple :

N’oubliez pas de rajouter des effets sonores et du sound design pour une vidéo professionnelle (quand c’est nécessaire) afin de donner plus d’intensité.

🚨 1. Transition par effet de bruitage environnemental

Exemple : Lors d’un mouvement rapide (comme un saut, un coup de pied ou une voiture qui passe), tu peux utiliser un bruitage soudain qui se transforme en un autre son. Par exemple, un son de moteur ou de vent se métamorphose en une alarme ou une sirène, évoquant un changement de tension ou un danger imminent.
Ou quelqu’un qui tape sur une voiture se transforme avec quelqu’un qui frappe a la porte d’entrée de quelqu’un.
But : Changer brusquement l’ambiance pour marquer un tournant dramatique dans la narration.

🔊 2. Transition par dégradation du son

Exemple : Un son normal (par exemple, la voix d’un personnage ou un bruit ambiant de la rue) qui se distord ou devient de plus en plus étouffé. Le cri d’une personne qui se transforment un sifflement de train qui entre en gare.

Ou la sonnerie de téléphone qui se change en sonnerie de fin de cours à l’école.
Quelqu’un qui appuie sur le bouton d’ascenseur mais on entend la sonnette d’une personne qui attend devant la porte de quelqu’un.

🥁 3. Transition par battement rythmique

Exemple : Synchroniser un battement rythmique (comme un tambour, un bruitage mécanique ou même un son de respiration) avec un mouvement physique (par exemple un personnage qui court, un mouvement de danse, ou une porte qui claque).
But : Utiliser le rythme pour faire passer le spectateur d’une ambiance dynamique à une situation plus tendue ou plus dangereuse.
Dans Baby Driver (Edgar Wright), chaque mouvement est calé au beat, et les transitions sont pensées comme une chorégraphie.
— La musique écoutée dans les écouteurs du héros devient la bande-son de la scène.
→ Crée une immersion sensorielle et narrative fluide.

Exemple : Apocalypse Now (Coppola)
— Le son des pales d’hélicoptère devient celui d’un ventilateur.
→ Illustre l’état mental instable du personnage (trauma de guerre), en gardant un son constant.

Dans le même style, dans un des films d’Edgar Wright (je ne me souviens plus duquel n’hésitez pas a me le dire en commentaire), une personne marche dans un couloir et le bruit des pas fait écho avec quelqu’un qui tape a la machine à écrire.

PARTIE 3 : Transitions à créer au montage

Tu n’as pas toujours le luxe de tout prévoir au tournage ? Heureusement, le montage regorge d’outils pour créer des transitions vidéo puissantes.

1. 🔍 Le zoom dynamique (smooth zoom)

Simule un zoom avant ou arrière entre deux plans, pour donner du liant et une impression de continuité. Tu peux aussi ajouter un flou radial pour appuyer l’effet.

Cette transition se fait au montage sur adobe premiere mais elle reste très utile pour passer d’un plan à l’autre et garder une certaine fluidité dans l’image.

Vous pouvez apprendre à la faire avec le lien d’Olivier Schmitt ici ou acheter des packs de transition abordables sur internet qui vous permettront de faire plein de petits effets sympas !

Regardez à 7 min 30 de cette vidéo :

L’idée dans ce genre de transition est d’avoir une continuité de mouvement avec la caméra (avec votre stabilisateur continuer de reculer en ligne droite par exemple) et garder une certaine thématique entre les plans (eau, temple, voiture etc.)

Zoom-in / Zoom-out combiné

Zoom rapide vers un détail → coupe.
Zoom-out du même type sur le plan suivant.
Donne une illusion de plongée entre deux scènes.

2. ✨Le ramping :

Le speed ramping (ou effet de ramping) consiste à faire varier la vitesse d’un clip en douceur pour créer un effet de ralenti ou d’accélération progressive.
C’est souvent utilisé dans les vidéos dynamiques (sport, danse, voyage) pour accentuer un moment clé, comme un saut ou un mouvement de caméra, en passant lentement dessus, puis en accélérant la séquence ensuite.
Cela rend les transitions plus cinématographiques et crée un vrai rythme visuel.

Vertigo Ramp Exemple.

3.⚡ Le glitch

Particulièrement efficace dans des contenus urbains, de gaming ou futuristes. Il attire l’œil et renforce l’identité visuelle. Attention toutefois à ne pas en abuser.

La glitch transition simule un bug numérique, avec des saccades, distorsions, flashs de couleurs, lignes brisées ou effets VHS.
Elle est utilisée pour donner un style numérique, futuriste ou nerveux à un montage, souvent dans les vidéos de musique, mode, gaming ou contenus stylisés.
C’est un excellent moyen de casser le rythme entre deux plans tout en apportant du caractère à la vidéo.

4. 🎚️ Le luma fade / Luma Key transition :

La Luma Fade est une transition basée sur la luminosité des pixels (luminance) pour faire apparaître ou disparaître une image progressivement, en masquant d’abord les zones claires ou sombres selon les réglages.
Elle crée un effet élégant, fluide et organique, souvent utilisé dans les clips musicaux ou les vidéos narratives pour des passages doux mais visuellement intéressants.

Contrairement à un fondu classique, elle utilise une carte de luminance pour dévoiler l’image en suivant sa lumière, ce qui donne un effet plus artistique, comme si l’image « se dissolvait » ou « brûlait » en noir ou en blanc.

Une transition basée sur la luminosité. Elle peut faire disparaître un plan progressivement en passant par le blanc ou le noir, très élégante et sobre.

choisissez des plans qui ont de grandes différences de luminosité pour un effet plus impactant.

5.🪞 Les masques et calques

Techniques un peu plus avancées, mais géniales pour créer des effets d’apparition/disparition, de glissement ou même des doubles expositions entre deux plans.

BONUS : LOGICIEL A UTILISER

💡 Bon à savoir : il existe aussi des transitions gratuites sur Premiere Pro et Premiere Composer !

Que tu sois sur Premiere Pro ou Premiere Composer, tu n’as pas toujours besoin de plugins payants pour dynamiser tes montages. Ces deux logiciels intègrent déjà une bibliothèque de transitions gratuites et efficaces : fondus enchaînés, volets, zooms, glissements, effets audios, etc.

Sur Premiere Pro, tu peux les retrouver dans l’onglet Effets > Transitions vidéo, avec des options personnalisables. Et si tu cherches des transitions plus créatives (ramping, glitch, luma fade…), il existe aussi de nombreux presets gratuits à télécharger en ligne, créés par des monteurs et motion designers.

Sur Media Composer, les transitions gratuites sont accessibles gratuitement et peuvent être combinées à des effets clés pour plus de flexibilité.

👉 Bref, pas besoin d’investir immédiatement : commence par explorer ce que ton logiciel t’offre déjà ! Tu pourrais être surpris de ce que tu peux créer avec les bons réglages.

Vous avez aussi des logiciels comme Capcut ou blindusk avec plusieurs transitions vidéo gratuites ou payantes ! exemple.

🛠️ Conseils pratiques pour bien utiliser tes transitions vidéo

Ne fais pas des transitions pour le style uniquement. Elles doivent servir ton propos, ton rythme ou ton émotion.
Sois cohérent : ne mélange pas 10 styles de transition dans une vidéo de 2 minutes.
Utilise les effets avec parcimonie : un bon cut vaut parfois mieux qu’un effet trop visible.
Teste et expérimente : parfois, la meilleure transition naît par accident en jouant avec tes rushs.

🚀 Conclusion : deviens maître de ton style

Les transitions vidéo ne sont pas juste des effets « cool ». Ce sont des outils narratifs puissants pour captiver, surprendre ou émouvoir. En les intégrant intelligemment à tes tournages et à ton montage, tu crées une vraie signature visuelle.

Alors maintenant, à toi de jouer. Prends ta caméra, lance ton logiciel de montage, et commence à expérimenter. Les transitions vidéo n’auront bientôt plus de secret pour toi !

Sur ce, prenez soin de vous, posez vos questions en commentaires, n’hésitez pas à me suivre sur les réseaux et je vous dis à la prochaine pour plus de contenus !

Les différents types de transitions vidéo fluides (Seamless Transition) : est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Tout ce qu’il faut savoir sur la compression vidéo : H.264, H.265 !

Neel Naja — Wed, 16 Apr 2025 09:47:44 +0000

La compression vidéo est essentielle pour réduire la taille d’un fichier sans trop perdre en qualité. Cela permet un stockage plus facile, un envoi plus rapide et une lecture fluide sur tous les appareils.

Cet article vous explique tout ce qu’il faut savoir pour bien compresser une vidéo, choisir le bon format, et comprendre les réglages avancés.

Donc sans plus tarder, entrons dans le vif du sujet :

1. Qu’est-ce qu’un codec, une norme et un format conteneur ?

🧠 Il y a trois notions à bien distinguer pour comprendre les codecs :

✅ La norme

C’est comme une recette : elle décrit comment une vidéo doit être compressée ou stockée.

👉 Exemple : H.264 (ou MPEG-4 AVC) est d’abord une norme (ou un standard) publiée par les organismes MPEG et ITU-T. Elle définit une méthode de compression vidéo — c’est-à-dire une série de règles très précises pour réduire la taille des fichiers vidéo tout en gardant une bonne qualité d’image.

🧰 Le codec

C’est l’outil qui applique la recette définie par la norme.
Un codec est la mise en œuvre concrète (logicielle ou matérielle) de cette norme.
Le mot codec vient de COdeur/DECoder.

👉 Exemples de codecs qui implémentent H.264 :

x264 (logiciel libre très connu),

Tous ces codecs respectent la même norme H.264, mais peuvent donner des résultats différents (qualité, vitesse, poids…).

📝 À retenir :

Une norme peut être utilisée par plusieurs codecs différents
Parfois, s’il n’y a qu’un seul codec pour une norme, on utilise le même nom pour les deux (ex : VC-1)

🎁 Le format conteneur

C’est une sorte de boîte qui contient :

La vidéo compressée
Le son
Et parfois d’autres infos : sous-titres, chapitres, métadonnées (comme la date, le nom de l’auteur, etc.)

Par extension, beaucoup de gens appellent “format vidéo H.264” le fichier vidéo compressé avec un codec H.264, même si techniquement, ce n’est pas le format, mais le format de compression.

Le vrai format de fichier, c’est le conteneur, par exemple :
- .mp4
- .mov
- .mkv
- .avi (rare pour H.264)

➡️ Ces conteneurs peuvent contenir une vidéo compressée en H.264, ainsi qu’un ou plusieurs fichiers audios, des sous-titres, des métadonnées, etc.

🧩 En résumé :

2. Quel est le meilleur format pour compresser une vidéo ?

Les deux méthodes d’encodage vidéo les plus populaires sont le : H.264 et H.265 pris en charges par la plupart des appareils.

H.264 est le plus courant. Il offre un bon compromis entre qualité et compatibilité.
H.265 est plus récent et permet de réduire davantage la taille du fichier tout en conservant une bonne qualité, surtout pour les vidéos en 1080p ou 4K.
« Le HEVC a pour but d’améliorer significativement la compression vidéo par rapport à son prédécesseur le MPEG-4 AVC. En effet, l’objectif est de réduire le débit nécessaire de moitié, à qualité équivalente. » – Wikipédia.

📌 En résumé : si vous visez une compatibilité maximale, optez pour H.264. Si vous voulez une compression plus efficace (surtout pour les vidéos haute résolution), H.265 est préférable.

🧩 Qu’est-ce que H.264 et H.265 ?

H.264 et H.265 sont des formats de compression vidéo, aussi appelés codecs.

Leur rôle ?
👉 Réduire la taille d’un fichier vidéo sans trop perdre en qualité.

« Ses applications concernent aussi bien la compression des vidéos en ultra-haute définition que la diminution du débit de transmission sur les réseaux pour les vidéos en définition standard avec des applications pour la vidéo sur mobile et pour l’extension de l’éligibilité aux services audiovisuels (TV, VoD…) des abonnés aux réseaux fixes (ADSL…). » – Wikipédia

🎞️ H.264, aussi appelé MPEG-4 AVC

🔍 En bref :

Nom complet : H.264 ou MPEG-4 Part 10 / AVC (Advanced Video Coding)
C’est aujourd’hui le format vidéo le plus utilisé dans le monde

📦 À quoi sert H.264 ?

H.264 compresse une vidéo pour :

Réduire son poids (donc elle prend moins de place sur ton disque)
Faciliter la diffusion sur Internet (YouTube, Zoom, Netflix…)
Assurer une compatibilité universelle (fonctionne sur presque tous les appareils, navigateurs et logiciels)

🎯 Avantages :

✅ Très bon équilibre qualité / taille de fichier
✅ Compatible avec presque tous les appareils
✅ Parfait pour la HD (720p, 1080p)

⚠️ Limites :

❌ Moins efficace pour les résolutions très élevées (4K, 8K)
❌ Les fichiers sont plus gros que ceux encodés en H.265 à qualité égal

🚀 H.265, aussi appelé HEVC

🔍 En bref :

Nom complet : H.265 ou MPEG-H HEVC (High Efficiency Video Coding)
C’est le successeur direct de H.264

📦 À quoi sert H.265 ?

Comme H.264, il compresse la vidéo, mais encore plus efficacement :

À qualité égale, un fichier H.265 est jusqu’à 50% plus petit qu’en H.264
Parfait pour les vidéos en 4K, 8K ou avec beaucoup de détails

🎯 Avantages :

✅ Fichiers plus légers pour la même qualité
✅ Idéal pour les vidéos haute résolution (4K et plus)
✅ Consomme moins de bande passante (pratique pour le streaming)

⚠️ Limites :

❌ Moins compatible (certains anciens appareils ou navigateurs ne le lisent pas)
❌ Plus lourd à encoder (demande plus de puissance pour créer la vidéo)
❌ Moins de support natif sur les appareils plus anciens

👉 Si vous voulez que tout le monde puisse lire votre vidéo sans souci, choisissez H.264.
👉 Si vous cherchez la meilleure compression pour une très haute qualité, allez vers H.265.

3. Les méthodes pour compresser une vidéo

Il existe deux grandes approches pour réduire la taille d’une vidéo :

➤ Optimiser la qualité (débit binaire)

➤ Réduire les dimensions (résolution)

🔧 1. Compression par qualité (CRF)

Le CRF (Constant Rate Factor) ajuste automatiquement le niveau de compression image par image pour conserver une qualité visuelle cohérente.

Pour H.264, les valeurs vont de 0 à 51 :
- 0 = qualité maximale (pas de compression)
- 23 = valeur par défaut (bon compromis)
- 51 = compression maximale (qualité plus faible)

🎯 2. Compression par pourcentage de la taille d’origine

Avec cette méthode, vous indiquez la taille cible souhaitée en pourcentage.

Exemple : Si votre vidéo fait 1 Go et vous entrez 70%, la vidéo finale fera environ 700 Mo.

📌 Avantage : très simple pour viser une taille précise.
📌 Limite : la qualité peut varier, donc il faut tester différents pourcentages si besoin.

📉 3. Compression par débit binaire maximum

Ici, vous fixez un débit maximal (bitrate) que la vidéo ne doit pas dépasser.
La qualité est définie par CRF (facteur de débit constant).

On garde la même taille d’image (résolution), mais on compresse mieux les données.

C’est comme faire une valise : au lieu de changer la taille de la valise, on plie mieux les vêtements pour qu’ils prennent moins de place.
Cette méthode s’appelle réduire le « débit binaire » (bitrate).
Moins de données sont utilisées chaque seconde, donc la vidéo est plus légère.
Cela peut affecter un peu la qualité, surtout si on compresse trop, mais l’image reste souvent correcte.

👉 Exemple : une vidéo en Full HD (1920×1080) qui passe de 5000 kbps à 2500 kbps pèse deux fois moins lourd.
(Taille (en bits) = Bitrate (en bits/s) × Durée (en secondes))

👉 Pour obtenir la taille en octets, on divise par 8.
👉 Pour obtenir la taille en Mo, on divise encore par 1 048 576 (1024 × 1024).

C’est idéal si :

Vous faites du streaming et voulez contrôler la bande passante.

Vous avez besoin d’un débit spécifique pour une plateforme en ligne.

🖼️ 4. Compression par redimensionnement (changement de résolution)

Changer la résolution est une méthode très efficace pour réduire la taille d’une vidéo.

Exemple : Si vous avez une vidéo en 4K, à destination de YouTube ou elle sera visionnée sur un écran 1080p.
Réduisez la résolution à 1080p pour gagner en poids sans perte visible sur l’appareil cible.

📌 À retenir : la taille d’un fichier dépend aussi de la résolution. Plus elle est basse, plus la vidéo sera légère.

Ici, on diminue la taille de l’image (en pixels).
Moins de pixels = moins d’informations à stocker = vidéo plus légère.
C’est un peu comme imprimer une photo plus petite : ça prend moins de place, mais on voit un peu moins de détails.

👉 Exemple : passer d’une vidéo en Full HD (1920×1080) à une version en HD (1280×720) ou SD (720×480).

✅ Conseils pour une compression réussie

Faites plusieurs tests si vous hésitez sur la méthode.
Ne sacrifiez pas trop la qualité pour gagner quelques Mo.
Préférez H.265 si votre public est équipé d’appareils qui le prend en charge.
Pensez à adapter la définition à votre usage (YouTube, réseaux sociaux, diffusion interne…).

🧰 En résumé

NOTA BENNE + (Logiciel) :

Si vous avez un compte Google My Business et que vous souhaitez ajouter des images ou des vidéos pour améliorer votre référencement, vous verrez que la taille des fichiers est limitée à 66 Mo.

Je vous conseille ce site gratuit pour compresser vos fichiers :

Parce que vous pourrez choisir la taille du fichier final que vous voulez avoir, ce qui est quand même un gain de temps pour publier sur Google My Business 😊

Sur ce, n’hésitez pas à poser vos questions en commentaires ou à partager cet article avec ceux que cela pourrait intéresser. (Et puis, ça m’aidera pour mon référencement 😉)

En attendant, prenez soin de vous !

Tout ce qu’il faut savoir sur la compression vidéo : H.264, H.265 ! est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Les formats d’images (aspect ratio) les plus utilisés !

Neel Naja — Wed, 18 Sep 2024 09:15:10 +0000

Les formats d’image au cinéma jouent un rôle essentiel dans la manière dont les spectateurs perçoivent une scène. Chaque format détermine la relation entre la largeur et la hauteur de l’image, également appelée « ratio d’aspect ». Ces formats influencent la composition des plans, l’esthétique du film, et l’immersion du spectateur.

« En anglais, on appelle ça « aspect ratio » : c’est le rapport entre la largeur et la hauteur d’un photogramme ou d’un écran. Par convention, ce rapport largeur/hauteur s’écrit « largeur »:« hauteur » »

Sans plus tarder, entrons dans le vif du sujet !

1. Le format 4:3 (aspect ratio : 1.33:1)

Dimensions : 4 unités de largeur pour 3 unités de hauteur (ou ratio d’aspect 1.33:1).
Utilisation : Ce format est l’un des plus anciens, largement utilisé dans le cinéma muet et les premiers films sonores. Il était également le standard pour la télévision jusqu’aux années 1950-1990.

Caractéristiques :

Il offre une image presque carrée.
Utilisé pour des films comme Casablanca (1942) ou des classiques comme Le Magicien d’Oz (1939).
Favorise la proximité avec les personnages, mais peut limiter les compositions larges.

2. Le format 1.37:1 (Academy Ratio)

Dimensions : Ratio légèrement plus large que le 4:3 (1.37:1).
Utilisation : Ce format a été établi par l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences dans les années 1930 et est devenu la norme pour les films sonores.

Caractéristiques :

Similaire au 4:3 mais avec un peu plus d’espace sur les côtés.
Utilisé dans les films classiques de Hollywood avant l’arrivée des formats plus larges.
On le retrouve dans Citizen Kane (1941).

3. Le format 1.85:1 (Widescreen)

Dimensions : Ratio d’aspect de 1.85:1 (largeur 1,85 fois la hauteur).
Utilisation : Très populaire aux États-Unis depuis les années 1950, il est devenu le format standard pour de nombreux films.

Caractéristiques :

Il permet une image plus large sans être trop étendue, ce qui le rend adaptable à la fois pour les scènes intimes et les scènes d’action.
Couramment utilisé dans les films commerciaux et grand public.
Exemple : Jurassic Park (1993).

4. Le format 2.35:1 / 2.39:1 (CinemaScope / Panavision)

Dimensions : Initialement 2.35:1, mais corrigé à 2.39:1 pour les films récents.
Utilisation : Ce format a été développé dans les années 1950 avec l’introduction de CinemaScope et Panavision pour contrer la montée de la télévision et créer une expérience cinématographique plus spectaculaire.

Caractéristiques :

Format extrêmement large qui convient particulièrement aux films d’action, d’aventure et aux paysages grandioses.
Il est souvent associé aux épopées hollywoodiennes et aux films à grand spectacle.
Des films comme Star Wars (1977) et Lawrence d’Arabie (1962) ont utilisé ce format pour amplifier l’immersion.

5. Le format IMAX (1.43:1 et 1.90:1)

Dimensions : Il existe deux ratios IMAX courants : 1.43:1 (pour les projections dans les salles IMAX originales) et 1.90:1 (pour les salles IMAX numériques).
Utilisation : Utilisé principalement pour les documentaires IMAX, mais de plus en plus pour des blockbusters à grande échelle comme Interstellar (2014) et The Dark Knight (2008).

Caractéristiques :

Permet des images extrêmement détaillées et immersives avec des écrans beaucoup plus grands.
Idéal pour les prises de vues en extérieur ou les effets visuels spectaculaires.
L’expérience visuelle est à la fois captivante et très immersive grâce à la taille et la qualité de l’image.

6. Le format 16:9 (aspect ratio : 1.78:1)

Dimensions : Ratio d’aspect de 1.78:1, également connu sous le nom de 16:9.
Utilisation : Ce format est le standard actuel pour la télévision HD et les écrans numériques. Il est par ailleurs largement utilisé pour les films diffusés à la télévision et sur les plateformes de streaming.

Caractéristiques :

Format polyvalent, permettant une large diffusion des films tout en s’adaptant aux écrans domestiques.
On le retrouve dans de nombreux films modernes lorsqu’ils sont destinés à une diffusion télévisée ou en streaming.

7. Le format anamorphique (aspect ratio : 2.39:1)

Dimensions : Basé sur l’idée de « squeezer » une image plus large dans un cadre plus étroit, puis de la décompresser lors de la projection. Les ratios varient, mais le plus courant est 2.39:1.
Utilisation : Principalement utilisé pour les grandes productions hollywoodiennes.

Caractéristiques :

Utilisation de lentilles anamorphiques pour capturer plus d’informations sur l’image.
Offre des possibilités uniques de composition, souvent utilisé pour les séquences d’action, les paysages panoramiques.
Des films comme Mad Max: Fury Road (2015) en tirent un grand parti.

Conclusion : le choix du format

Le choix du format d’image dans un film dépend de l’intention artistique du réalisateur, du type d’histoire, du budget et des considérations pratiques. Un film intime, centré sur les personnages, pourrait bénéficier d’un ratio plus carré (comme le 4:3 ou le 1.37:1), tandis qu’un blockbuster épique avec de vastes paysages pourrait opter pour un format large comme le 2.39:1. Le format devient donc un langage visuel qui soutient l’émotion, l’esthétique et l’immersion du film.

Dans l’ère numérique actuelle, les réalisateurs et producteurs ont plus de liberté que jamais pour choisir et ajuster leur format en fonction de leurs besoins et des préférences de diffusion (cinéma, télévision, streaming).

J’espère que cet article vous aura plus 😊
N’hésitez pas à me poser vos questions en commentaire et à vous abonner aux différents réseaux sociaux pour encore plus de contenu !

Les formats d’images (aspect ratio) les plus utilisés ! est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Comprenez et enlevez le bruit de vos images ! (LE GUIDE COMPLET)

Neel Naja — Fri, 17 Nov 2023 13:28:14 +0000

Bonjours à tous ! Nous allons voir aujourd’hui dans cet article les bases du bruit dans vos images, pourquoi apparait-il et quel est son lien avec les ISO.
Vous apprendrez également comment shooter en S-Log 2 ou 3 sans avoir trop de bruit en sortie et quels logiciels utiliser si on veut supprimer du bruit en post prod.
Donc sans plus tarder, entrons dans le vif du sujet !

(Pour ceux qui n’ont pas lu les articles sur l’exposition et le triangle de luminosité, je vous conseille d’aller y faire un tour.)

Partie 1 : Pourquoi ne pas avoir peur d’augmenter les ISO ?

Avant-propos :
Cette partie reprend des passages d’une vidéo de Simon d’Entremont qui parle du bruit. Je vous mets le lien juste ici pour ceux qui veulent aller plus loin :

Pour ceux qui ne parlent pas bien anglais et qui voudraient avoir un résumé, lisez la suite 😊

En tant que photographe, on nous a répété encore et encore de shooter avec les ISO les plus faibles pour avoir la meilleure qualité possible, si on ne veut pas de bruit dans notre image.
Donc beaucoup de vidéastes et de photographes ont une peur bleue de monter au-delà de 100 ISO même quand la lumière n’est pas assez puissante.

A savoir que le diaph et l’obturateur font rentrer une quantité de lumière physique sur notre capteur. Les ISO, quant à eux, permettent de « créer » de la lumière numériquement.

Retenez bien ceci :
Le bruit est créé lorsque la photo est trop sombre en premier lieu.
Les ISO révèlent que l’image était bruitée de base mais ne crée pas le bruit.
Le bruit était là avant que les ISO soit augmentés comme le montre l’image de droite ré-exposée en post prod.

Ce qui crée le bruit, c’est le manque de lumière, pas les ISO.

Pour des photos d’objets inanimés comme une tasse, un bâtiment, un stylo… Rien ne nous empêche d’augmenter le temps d’exposition et de garder les ISO bas, mais quand votre sujet bouge, c’est autre chose.

Pour un sujet en mouvement, il faut augmenter la vitesse d’obturation afin de figer l’action et d’éviter tout flou de mouvement. Pour ça, vous serez sûrement obligé d’augmenter vos ISO si vous ne voulez pas être complètement sous-exposés.
N’ayez pas peur d’augmenter les ISO quand il le faut, parfois, il vaut mieux les augmenter qu’avoir une image floue ou pas d’image du tout.

N’essayez pas de shooter une image sous-exposée pour rester à 100 iso en vue d’augmenter la luminosité après ! Vous aurez beaucoup trop de bruit !

Rassurez-vous, si vous augmentez un peu les ISO au moment du shooting, on ne verra pas toujours le bruit, surtout avec un logiciel qui le supprime ! Il vaut mieux avoir quelques légers détails altérés que pas de photo du tout !
En règle générale, on observe du bruit en zoomant dans l’image, donc après avoir passé votre photo dans un logiciel de retouche et à l’impression papier, vous avez peu de chance d’avoir beaucoup de bruit.

Partie 2 : Mais alors, les ISO, qu’est-ce que c’est ? :

NB :
Les normes de sensibilité ISO sont établies par la société ISO (L’Organisation internationale de normalisation) afin que tout le monde « parle la même langue ». À savoir que cette société n’est pas dédiée qu’à la vidéo, mais elle agit dans des domaines aussi variés que le management environnemental et de l’énergie, les normes sur la santé et la sécurité de l’information et j’en passe.

En soi, les valeurs de diaph et d’obturation sont les seuls à pouvoir régler la quantité de lumière physique reçue par l’appareil. Les ISO augmentent la façon dont est perçue cette quantité de lumière.

Quand vous augmentez le son de votre télé, si le signal de base est de mauvaise qualité, le son augmenté va saturer et risque d’être encore pire.
C’est la même chose qui se passe avec des rayons lumineux. À des hautes valeurs, notre appareil numérique va créer du bruit (à ne pas confondre avec le grain).

D’ailleurs, dans cette image tirée d’une vidéo sur la sensibilité ISO, vous pouvez voir que pousser les ISO, au lieu d’augmenter le temps de pose, revient à révéler beaucoup de bruit (parce qu’il n’y a pas de lumière de base !)

Dans le livre « les secrets de l’image vidéo », page 283, par Philipe Bellaïche il y a le passage suivant :
« La sensibilité d’un capteur photosensible CCD ou CMOS est une donnée fixe, invariable, que l’on ne peut modifier que de manière totalement artificielle en amplifiant le signal à la sortie du capteur – une opération qui n’est acceptable que jusqu’à ce que le bruit qu’elle fait apparaitre sur la texture de l’image devienne gênant. »
Vous l’aurez compris, quand on dit qu’en passant de 200 à 400 iso on change la sensibilité du capteur c’est faux. On parle de sensibilité par abus de langage, mais la sensibilité du capteur ne change pas vraiment. C’est le signal en sortie qui a changé.

« La signification des ISOs est souvent mal comprise. Des ISO plus élevés n’augmentent pas la sensibilité du capteur. Le capteur du X-T2 par exemple est calibré pour être nativement basé sur ISO 200. Quel que soit l’iso que vous choisirez ensuite, le capteur prendra toujours des photos à ISO 200. » – les guides fujifilm

SOUS PARTIE 1 : Différence entre Iso natif et Iso étendu :

« Les ISO natifs c’est la plage ISO dans laquelle l’appareil photo est optimisé pour faire une amplification correcte du signal, le tout à l’intérieur de son mécanisme. »

Vous pouvez voir, par exemple sur ce diaph, que le Canon EOS 1 D Mark III a une sensibilité native de 100 ISO qui s’étend un peu. On peut donc constater que cet appareil aura moins de bruit à 200 ISO qu’à 150, mais également moins de bruit à 400 ISO qu’à 300.

Vous l’aurez compris, connaitre la sensibilité native de sa caméra permet parfois d’obtenir de meilleurs résultats en choisissant l’ISO le plus adapté et pas forcément le plus faible.

Si vous travaillez de chez vous pour des photos de produits corporate par exemple, dans un studio où vous pouvez contrôler la lumière, c’est évidemment plus intéressant de shooter aux ISO natifs.
Mais lorsqu’on fait de la street photo ou de la photo animalière, on n’a pas toujours le choix et s’arrêter aux ISO natifs n’est pas vraiment la bonne solution (comme on l’a dit dans la première partie).

Alors les ISO étendus, qu’est-ce que c’est ? Ce sont des ISO logiciel.
Si on prend une photo avec un ISO étendu haut de 25 600 par exemple, l’appareil prendra la photo avec un ISO de 12 800 et ajoutera 2 stops de luminosité, comme si je le faisais sur Lightroom, « en sacrifiant 2 stops de dynamique. »
Mais si vous voulez aller plus loin, je vous conseille cette vidéo :

Il existe aussi des ISO invariants pour ceux qui sont curieux, allez voir cette page.

SOUS PARTIE 2 : répartition de la plage dynamique en fonction des ISO :

La répartition de la plage dynamique de votre capteur n’est pas égale en fonction de l’ISO que vous choisissez.
Definition :
« La portée entre la zone la plus lumineuse et la zone la plus sombre d’un sujet est appelée «plage dynamique», «gamme dynamique» ou simplement «dynamique». Celle-ci s’étend sur 23 diaphragmes au maximum, de l’obscurité de la nuit au plein soleil de midi. L’œil humain peut saisir environ 20 de ces valeurs de diaphragme. »
Plus l’écart entre les tons sombres et les tons clairs de votre image est grand, plus votre plage dynamique l’est aussi.

En d’autres termes, selon vos ISO choisis, vous pouvez avoir plus ou moins d’infos dans les tons clairs et les tons sombres.

Si on veut préserver les basses lumières, il faut éviter de monter les ISO, et de la même manière, en extérieur plein jour, ne descendez pas trop les ISO pour préserver les hautes lumières.

Prenons comme exemple une caméra virtuelle avec 14 diaph de dynamic range (plage dynamique en français) et un ISO natif de 800 :

– À 800 ISO, il a 7diaph dans les tons clairs et 7 dans les tons sombres
– À 1600, il aurait par exemple 8 diaph dans les tons clairs et 6 dans les tons sombres
– À 6400 ISO, il aurait 10 de diaph dans les hautes lumières et 4 dans les basses
(Vous pouvez voir l’image à 9,30 min de la vidéo ci-dessous).

A 6400 on va conserver plus d’infos sur les hautes lumières, ciel, les reflets …
De la même manière à 200 ISO – 400 iso etc. on a plus d’informations dans les basses lumières, les ombres, les vêtements noirs …

Ces diaph vous montre d’autres exemples du même procédé chez Sony :

Pour voir l’illustration de Black Magic, allez à 9 min 50 :

Seul Canon est un peu différent, mais toutes les autres cam marchent comme ça.

Donc essayez de rester à l’ISO natif de la caméra pour garder des infos un peu partout et de jouer avec les filtres ND le cas échéant.
Ces infos plus haut sont tirées de la vidéo de Puzzle Vidéo vers 8 min.

Et pour ceux qui veulent aller plus loin je vous conseille cette vidéo-là :

Plus les ISO augmentent, plus la plage dynamique baisse, en général, comme le montre ce diaph :

Mais la plage dynamique n’est pas forcément le paramètre le plus important de votre photo ! Il faut d’abord avoir quelque chose à raconter, un sujet clair et une « histoire » qui se détache de votre cliché. Si vous shootez ailleurs qu’en studio, vous serez parfois obligé de faire des compromis et c’est pas grave. Vous pouvez assumer pleinement un fond surexposé ou sous-exposé si ça fait partie de votre image et que le rendu est intéressant. Vous n’êtes pas obligé d’avoir toujours la meilleure plage dynamique sur chacune de vos photos.

Partie 3 : Le bruit, qu’est-ce que c’est vraiment ? Ce qu’il faut retenir :

Avant-propos :
Comme pour la première partie, ce passage reprend et résume des idées de Simon d’Entremont. Je vous mets le liens de la vidéo pour ceux qui veulent regarder les exemples en détails. Mais la suite de l’article développe plusieurs de ses idées et rajoute d’autres infos donc n’hésitez pas à continuer !

Alors, qu’est-ce que le bruit et comment le mesurer ?
Le bruit est un signal parasite existant dans tout système électronique qu’on peut donc analyser sous le rapport Signal/bruit (RSB ou SNR en anglais, Signal to Noise Ratio). Ce rapport-là nous donnera donc une indication sur la qualité de transmission d’une information.
En d’autres termes, il faut que le signal (lumineux) soit fort et que le bruit (signal parasite) soit faible pour une meilleure qualité d’image. Pour avoir un signal lumineux fort vous devez ouvrir votre diaph, augmenter le temps de pose, avoir un capteur plein format (qui captera plus de lumière qu’un micro 4/3)… NB : le type de technologie utilisé sur le capteur joue aussi son rôle, il n’y a pas que la taille !

Quand on augmente les ISO et qu’on voit du bruit apparaitre, on a tendance à penser que c’est la montée des ISO qui crée le bruit. Mais ce n’est pas le cas ! Les ISO ne font que révéler le bruit. Puisque le bruit vient à la base d’un manque de lumière (d’un signal lumineux faible).
« Sachez que la sensibilité d’un capteur ne varie pas réellement ; en montant en ISO, on amplifie le signal total (signal utile + bruit) afin de rendre l’image plus claire, mais on ne récupère pas plus de lumière. »

« Comme vous le voyez, il y a différentes sources de bruit en amont et en aval de l’amplification (ISO) et c’est là le secret de cette réduction de bruit. En effet, en montant en ISO on amplifie le signal et le bruit situé en amont de l’amplification, mais on ne touche pas au bruit généré après ce point ; ainsi, le bruit électronique en aval est noyé par notre signal fortement amplifié ! En somme, l’amplification (la montée en ISO) n’enlève pas tout le bruit de vos photos, mais élimine/noie une partie du bruit.

Note technique : pour être précis, le fait de monter en ISO réduit la présence du bruit de lecture. »

Allez voir le schéma à (15min de la vidéo) qui résume toutes les étapes d’une prise de vue. Mais retenez bien qu’à chaque étape, il y a possibilité d’avoir altération… On n’enregistre jamais de valeur exacte, mais des approximations.

Retenez bien ceci :
Le bruit apparait parce qu’il n’y a pas assez de lumière de base. Le bruit est là avant que les ISO soit augmentés, les ISO révèlent le bruit mais ne le créent pas (au risque de me répéter mais on dit que « la base de l’éducation, c’est la répétition »)

« Un capteur est constitué de photosites qui sont des cellules photoélectriques qui transforment une intensité lumineuse en signal électrique.
Le nombre de photosites sur un capteur constitue ce que l’on appelle la définition du capteur. Cette définition est souvent donnée en millions de pixels.
On utilise également une grille de Bayer pour gérer la couleur : cette grille recouvre en effet les photosites, ce qui permet d’associer chaque photosite à l’une des trois couleurs élémentaires selon un filtre (Rouge, Vert, Bleu). »

Pour imager la suite, Simon d’Entremont donne la métaphore suivante :
Chaque verre sur l’image ci-dessous représente un photosite sur notre capteur (qui captera un nombre de photons). Si je mets ces quatre verres sur le rebord de ma fenêtre pendant une seconde alors qu’il pleut, peut-être qu’un verre va récupérer 9 gouttes, l’autre 11, l’autre 7 et le dernier 13 gouttes. Les contenants ne seront pas homogènes :

Et les photons se comportent de la même manière avec le capteur.

Si vous augmentez ensuite les ISO, chaque photosite affichera une nuance de couleurs différentes comme dans l’exemple ci-dessous :

Quand on prend une image en photo, on s’attend en général à un résultat uniforme :

Alors qu’en réalité l’image est plutôt constituée de différentes nuances saisis par différents photosites :

Pour réduire le bruit, vous devez laisser les verres plus longtemps sous la pluie. Exposez votre capteur à plus de lumière avec un obturateur plus long, un diaph plus ouvert ou en ajoutant des projecteurs.
En laissant les photosites exposés plus longtemps à des lumières, les variations qui sépareront chacun d’entre eux seront amoindris comme le montre l’image ci-dessous :

L’électronique n’est pas parfaite, et si on pouvait choisir le nombre de photons à envoyer sur chaque photosite, on aurait quand même des différences. On peut convertir 500 photos en signal digital et avoir en sortie 498 photons, 513, 511 ou autre.

Quand on augmente les ISO on révèle ces incohérences.

Il vaut mieux augmenter le signal (le gain, les ISO) pour améliorer le rapport signal bruit avant de l’envoyer dans l’électronique de la caméra plutôt que de le faire à la retouche photos. Vous aurez de bien meilleures images comme dans l’exemple ci-dessous :

Pour reprendre la métaphore des verres :
Si on les laisse trop longtemps sous la pluie, ils finiront par être pleins (évidemment). Les photosites de nos capteurs fonctionnent de la même façon. Chacun d’eux a une limite du nombre de photons qu’ils peuvent capter avant d’être pleins. C’est ce qu’on appelle en anglais the full well depth.

Définition :
The well depth of a pixel is the maximum amount of charge that can be held before saturating. When the charge in a pixel exceeds the saturation limit (or well depth), the charge will overflow into adjacent pixels, this is known as ‘blooming’.
Traduction:
La profondeur du puits d’un pixel est la quantité maximale de charge qui peut être retenue avant de saturer. Lorsque la charge dans un pixel dépasse la limite de saturation (ou la profondeur du puits), la charge débordera dans les pixels adjacents, c’est ce qu’on appelle « blooming ».

“La profondeur du puits ou la capacité du compartiment. Un compartiment peut avoir une capacité de 60 000 photons. Si plus de 60 000 photons sont collectés par le compartiment, la quantité excédentaire déborde. Parfois, ils débordent et sont perdus, mais ils peuvent également déborder dans des compartiments adjacents et entraîner une condition appelée flare.”

SOUS PARTIE : petits détails en plus :

« Le bruit sur une image comprend un bruit de luminance (niveaux de gris), donnant un aspect granuleux à l’image, et un bruit de chrominance (couleur), formé par des artefacts colorés dans l’image ». – adobe

NB :
Sachez également que le bruit peut être créé par la chaleur qui peut tromper le capteur et lui faire croire que c’est de la lumière. Mais rassurez-vous, il faut vraiment une très longue exposition pour que ça devienne un problème.
Ce paramètre peut être pris en compte quand on fait de l’astrophotographie par exemple ou en faisant de gros time lapse avec des expositions longues, autrement, vous n’avez pas à vous en soucier.

Partie 4 : comprendre la compensation d’exposition :

Maintenant qu’on a compris ce que sont les ISO et le bruit, nous allons voir comment la caméra traite les blancs et les noirs. Important à savoir quand on veut gérer son exposition pour avoir le résultat souhaité sans avoir du bruit nuisible à votre image.

Quand on regarde une scène, notre « posemètre » mesure la quantité de lumière reflétée :

Lorsque le compteur est à zéro, l’appareil nous indique que la scène est bien exposée. Mais qu’est-ce que ça veut dire « bien exposé » pour une caméra ?

L’exposition que la caméra essaye d’obtenir est le gris médian – un gris qui reflète 18 pour cent de la lumière :

Si l’exposition est trop brillante la cam va essayer de l’assombrir jusqu’au gris médian et inversement si c’est trop sombre.

A 2 min 43, Simon prend en photo ces deux éléments en mode priorité ouverture :

Pourtant, les deux photos ressortent grises :

Avec une capture d’écran plus zoomée ça donne ça :

Cet exemple vous montre qu’il est parfois plus intelligent d’être en manuel lorsqu’on veut qu’une photo soit volontairement brillante ou alors plus sombre. Quand vous prenez une photo à la montagne, vous ne voulez pas que la neige soit grise, mais qu’elle reste blanche !

Donc pour palier à ça, on utilise la compensation d’exposition :

De même que pour les deux premières parties, voici la vidéo de Simon d’Entremont qui parle de ça :

Partie 5 : Shooter en S-Log 2 ou 3, exposez mieux votre image !

Pour ceux comme moi qui shootent en S-Log 2 ou 3, vous avez du remarquer que vous avez en général plus de bruit que sur un rush « normal ».

En règle générale, pour supprimer ce bruit vous devez un peu surexposer votre image :

Le chiffre entouré en rouge devrait être à +1,7 ou +2 et signifie que votre image est un peu « trop » claire pour l’appareil mais c’est pas grave !
Surexposer légèrement votre image vous permettra de réduire considérablement le bruit induit par un tournage en Log.

NB : Filmer en 4K semble réduire le bruit car plus petit…

Partie 6 : Réduire le bruit avec certains logiciels en post production :

Si malgré tout vous avez encore du bruit dans votre image vous aurez sûrement besoin d’un logiciel qui le supprime.

Je vous conseille de regarder cette vidéo qui compare différents logiciels entre eux :

Selon moi, l’un des meilleurs est NEAT video :

Ce logiciel est malheureusement payant (mais vous pouvez ensuite le garder à vie après un seul achat) et c’est le seul qui permette de garder un maximum de détails dans votre image.

J’ai essayé de chercher plusieurs alternatives gratuites qui seraient du niveau de NEAT vidéo, mais je n’ai rien trouvé… (Donc si vous avez un tips à me donner dans les commentaires n’hésitez pas 😊)

Certains proposent des solutions pour enlever du bruit sur Premiere pro ou Da Vinci resolve, mais je trouve que les résultats ne sont vraiment pas satisfaisants. Même si Da Vinci Resolve marche un peu mieux que Premiere pro sauf si le plan est en mouvement.

Simon d’Entremont utilise Topaz Denoise AI pour ses photos :

Vous avez aussi RawNeRF, « Le programme RawNeRF, développé dans le cadre du projet MultiNeRF, devrait permettre aux photographes de capturer des images dans des conditions de faible luminosité, sans craindre d’altérer la qualité de leurs clichés. »
« Initialement, NeRF est un synthétiseur de vue capable de scanner des milliers de photographies numériques pour ensuite reconstruire des rendus 3D fidèles des éléments présents dans une scène. » – Siecle digital.

C’est tout pour aujourd’hui. Cet article m’a pris beaucoup de temps car il est assez complet et j’espère qu’il vous aidera à mieux comprendre tous ces paramètres-là.
Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les poser en commentaire ou simplement un petit mot sympas pour m’aider dans mon référencement.
En attendant, prenez soin de vous et à la prochaine pour plus de contenu !

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Astuces pour le Light painting :

Neel Naja — Wed, 02 Aug 2023 10:05:29 +0000

Dans cet article, nous verrons les bases du Light Painting

Pour commencer, les trois éléments principaux à retenir sont les suivants :

– Être dans un environnement sombre (ou tout noir pour commencer) ;
– Avoir une pose longue (une obturation de plusieurs secondes) et donc un appareil sur un trépied,
– Dessiner dans les airs avec une lumière ponctuelle ;

La lumière :

Le fait d’avoir une pose très longue risque de surexposer la scène si vous n’êtes pas dans un environnement très sombre. Donc à partir du moment où la lumière du soleil (ou tout autre lumière) ne vient pas perturber la scène, que vous soyez à 30 secondes ou 120 secondes d’obturation, cela vous permettra juste d’avoir plus de temps pour « peindre ».

Si vous êtes dans le noir total (sans source de lumière ponctuelle) le temps d’obturation n’a évidemment pas d’influence sur le rendu final…

N’oubliez pas de baisser vos ISO aux maximum pour avoir la meilleure qualité possible et éviter le bruit dans l’image.

Les vibrations :

Pour éviter une vibration de l’appareil au moment d’appuyer sur le déclencheur il est recommandé d’utiliser une télécommande. Mais pour ceux qui n’en ont pas, le retardateur de votre appareil fera l’affaire.

Comment « peindre » un sujet ? :

Un faisceau lumineux étroit pour « peindre » donne un effet coup de pinceau. Coller une feuille de papier sur votre light permettra de diffuser la lumière en accentuant sa taille relative.

Évidemment, en fonction de votre ouverture ou de la puissance de votre lampe, vous devrez ajuster votre obturation après quelques tests si vous n’avez pas le résultat escompté.

Attention à ne pas avoir de lumière multidirectionnelle qui pourrait éblouir la caméra et gâcher votre photo
– Votre lampe doit rester face à l’objet ou sujet sur lequel vous voulez le light painting et dos à l’appareil photo ;
– Restez bien derrière la lampe si vous ne voulez pas apparaître par accident sur l’image finale.

Utiliser une source lumineuse pour « dessiner » :

Ici, le but est de déplacer des sources lumineuses face à l’appareil pour que les mouvements soient enregistrés.

N’hésitez pas à fermer votre diaph dans ce genre de cas car la source lumineuse étant directement pointée sur l’appareil elle sera facilement visible.

Petites astuces :
– Mettre un tissu noir dessous et derrière un objet que vous photographiez.
– Vous pouvez accrocher une lumière à un fil pour des mouvements réguliers.

Voilà, c’est tout pour cet article ! N’hésitez pas à le partager à ceux qui en aurait besoin ou à mettre un commentaire si vous avez une question. En attendant je vous souhaite une très bonne journée et à la prochaine pour plus de contenus 😊

Astuces pour le Light painting : est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Comment bien équilibrer son stabilisateur (Ronin SC)

Neel Naja — Mon, 26 Sep 2022 14:29:46 +0000

Même si cet article concerne le Ronin SC, sachez que la mécanique pour équilibrer les stabilisateurs est souvent la même. Il est important de bien respecter cette étape pour éviter que les moteurs électroniques de votre stabilisateur ne s’usent trop rapidement. Donc dans cet article nous verrons comment équilibrer son Ronin SC correctement, et sans plus tarder, entrons dans le vif du sujet !

Nota Benne :
Pensez bien à équilibrer votre stabilisateur avec tous les accessoires que vous allez utiliser pendant le shot.
Il m’est déjà arrivé de passer 10 min à équilibrer mon stab mais d’avoir oublié la carte SD ou le cache et de devoir re faire l’équilibrage. Car même une légère variation de poids changera tous les réglages !

Les trois axes à équilibrer :

Sur un stabilisateur comme le Ronin SC ou S vous avez trois axes différents à équilibrer dans un ordre particulier :

Tilt = inclinaison
Roll = Roulis
Pan = panoramique

1) Moteur de roulis (Roll)
2) Moteur panoramique (pan)
10) Moteur d’inclinaison (Tilt)

L’équilibrage des différents axes :

NB :
– Déverrouiller les axes les uns après les autres pour équilibrer votre stabilisateur.
– Si votre appareil est plutôt lourd, ajuster la plaque en fonction de son poids :

1) A) Axe du Tilt (Horizontal) :

Commencer par l’axe du tilt (Horizontal) et ajustez la plaque d’avant en arrière pour que l’appareil photo reste stable sur l’axe horizontal. Une fois que c’est fait, serrer la plaque et ajuster la butée pour mémoriser l’emplacement.

1) B) Axe du Tilt Vertical :

Ensuite, occupez-vous de l’axe tilt (vertical) en plaçant l’appareil photo de manière que l’objectif pointe en haut. Ajustez le bras (entouré en bleu sur la photo ci-dessous) pour que l’appareil reste stable tout en pointant vers le haut.

Cas particulier :

Si vous installez votre smartphone sur le haut de l’appareil, ajustez la position pour que l’objectif soit stable même incliné à 45° :

2) Equilibrez ensuite le roulis :

Et ajustez l’appareil pour qu’il ne parte, ni sur la gauche ni sur la droite, et bougez la platine (la plaque sous l’appareil) d’avant en arrière si besoin.
Une fois que l’appareil est stable, verrouillez le tout

3) Pour finir, ajustez l’axe du Pan :

Pour ça, déverrouiller le moteur :

Et faites en sorte que la configuration reste telle quelle même si vous inclinez votre Ronin sur 15 degrés.

Pour ceux qui voudraient avoir plus d’explications en vidéo je vous conseille le tuto DJI qui est très bien. Cet article est juste là pour rappeler et écrire certaine bases.

Vérification sur l’application DJI :

Lorsque vous pensez avoir terminé, connectez-vous à l’application DJI de votre Ronin à partir de votre smartphone et cliquez sur « balance adjustement » :

Inclinez le stabilisateur comme indiqué sur l’application et laissez-le vérifier que tout est en ordre :

Si votre application vous informe que tous les réglages sont « excellents » alors vous êtes prêt à filmer.

Je vous conseille une fois que c’est fait de noter les mesures que vous avez faites lors de l’équilibrage (c’est aussi pour ça que les axes sont gradués) afin de ne pas avoir à toujours équilibrer votre appareil pendant des plombes. Notez les différentes mesures en fonction du matos que vous utilisez (si vos batteries n’ont pas le même poids, ou si vous utilisez votre smartphone en « active track » par exemple) et vous irez ainsi plus vite en tournage car vous saurez directement les mesures à adopter en fonction du matos utilisé.

Bien évidemment avant de mettre en marche le stabilisateur n’oubliez pas de déverrouiller chaque moteur.

Voilà, c’est tout pour cet article, partagez-le à ceux que ça pourrait intéresser et à la prochaine pour plus de contenu !

Comment bien équilibrer son stabilisateur (Ronin SC) est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Faire un Vidéolapse (Hyperlapse) avec un stabilisateur :

Neel Naja — Mon, 05 Sep 2022 12:38:11 +0000

Nous avons vu dans des articles précédents comment faire un Timelapse avec notre boitier Sony Alpha 7 R 3 et comment faire un Hyperlapse avec le Ronin S ou SC. Cependant dans ces deux cas-là, les possibilités de mouvements sont tout de même limitées.

Normalement, pour un hyperlapse il n’y a pas de secret. Vous devez prendre une série de photos en gardant toujours votre sujet centré et assembler tout ça sur Premiere Pro ou autre.
Mais le problème c’est que c’est très long et parfois, après 3 heures passées dans la rue, on se rend compte une fois chez nous que certaines photos ne vont pas et que le timelapse « saccade ».

Donc nous verrons dans cet article comment faire un hyperlapse en vidéo (une sorte de vidéo lapse) accompagné de son stabilisateur.

Cet article n’est pas là pour vous dire que vous devez toujours utiliser cette technique (parce qu’elle est significativement de moins bonne qualité qu’un hyperlapse pris de façon traditionnelle) mais juste vous dire qu’elle existe.

Les paramétrages de la cam et le matériel pour l’hyperlapse :

Vous aurez évidemment besoin de votre stabilisateur et de votre caméra pour commencer,
Il est important d’avoir un filtre ND pour shooter de jour (si vous voulez réduire l’exposition sans être surexposé)
Réglez votre shutter speed a ½, ¼, à 1/10, 1/20 (en fonction de la quantité de flou de mouvement qu’on veut, si vous en voulez)
Ajustez votre diaph entre F8 et F22 (s’il y a beaucoup de lumière) afin que votre plan soit net partout.
Même si le « vidéo lapse » peut fonctionner avec n’importe quel objectif, sachez qu’avec un grand angle vous aurez une meilleure profondeur de champs (ce sera net partout en gros).

Paramétrer l’application du Ronin :

Dans l’application du Ronin :

Allez dans « profil utilisateur »

Pour ceux qui ne connaissent pas les différents modes de l’application, voici une petite explication :

Mode 1 : il suit le pan, le pitch, le tilt etc.
Mode 2 : mode FPV, le stabilisateur penche avec nous
Mode 3 : il se retourne et avec le joystick on peut faire du 360

Les modes peuvent être personnalisés et modifiés (donc pour ceux qui veulent aller plus loin je vous conseille de vous référer à la notice) :

Mais revenons à nos moutons.
Sélectionnez le menu M2 (mode 2) et faites les réglages suivants concernant le pano, l’inclinaison et le roulis :

Réglez ensuite la zone morte assez basse (ce paramètre définit le temps de latence entre le moment où vous tournez le poignet et le moment où le stabilisateur réagit)

Enfin, modifiez les paramètres de sensibilité :

Ajustez enfin les paramètres en fonction de votre manière de filmer, ces paramètres-là sont assez doux, mais chacun son style. Vous pouvez commencer par ceux-là et évoluer après.
Je vous conseille pour que ce soit plus simple au début d’aller tout droit pour un vidéo lapse. Utilisez la mini gâchette ci-dessous pour bloquer votre axe de direction :

Et n’oubliez pas d’afficher le quadrillage sur votre écran LCD afin de vous aider à garder votre sujet plein centre :

Une fois que vous avez filmé votre plan (en allant tout droit, ou en tournant autour de votre sujet etc.) vous n’avez plus qu’à l’importer dans première pro et à l’accélérer et le tour est joué !

Voilà, c’est la fin de cet article ! Encore une fois n’hésitez pas à le partager pour me soutenir ou à poser vos questions en commentaire. En attendant, je vous souhaite une très bonne journée et je vous dis à la semaine prochaine pour plus de contenu !

Faire un Vidéolapse (Hyperlapse) avec un stabilisateur : est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Faire un Hyperlapse avec un Ronin SC :

Neel Naja — Mon, 05 Sep 2022 12:04:28 +0000

Dans cet article nous verrons comment faire un Hyperlapse (un timelapse en mouvement) avec un Ronin SC ou S. Pour ceux qui n’ont pas lu l’article sur l’équilibrage de son stabilisateur je vous conseille d’aller y faire un tour avant de commencer celui-là. Sur ce, entrons dans le vif du sujet !

Paramétrer votre boitier :

Dans cet article nous avons vu comment paramétrer le boitier Sony Alpha 7 R III pour qu’il enregistre un Time lapse. Mais dans le cas présent, vous devez paramétrer votre caméra pour qu’elle ne prenne qu’une image à la fois (Single shot mode). Si vous le mettez en mode time lapse ou intervallomètre vous risquez de faire doublon et d’avoir un résultat bizarre.
Pour l’hyperlapse, ce sont les paramètres du Ronin qui seront pris en compte. Tout ce que vous paramétrez sur l’application DJI sera retranscrit sur votre DSLR (car un câble liera votre stab et votre caméra).

Donc insérez le câble en question dédié au port RSS :

Paramétrer l’application :

Une fois que vous avez monté votre caméra et équilibré le stabilisateur, allumez le stab en premier puis votre DSLR et lancez l’application Ronin. Allez dans le menu « Créer » puis « Timelapse»

Vous devrez ensuite définir un point de départ et le point final du plan hyperlapse.
Pour ça, vous avez trois manières de bouger la caméra :

En utilisant le joystick virtuel sur l’application par exemple :

En utilisant le joystick sur le Ronin lui-même

En bougeant manuellement votre caméra. Cependant attention :

Si vous voulez paramétrer la position de départ et la position finale du motion lapse en bougeant vous-même la caméra, activer l’option push mode qui permettra au moteur du stab de ne pas résister quand vous touchez la caméra :

Ensuite, pour enregistrer chaque position, cliquez sur le + :

Dans l’idée Le Sony est compatible avec le Ronin donc je n’ai pas besoin d’utiliser l’intervallomètre du DSLR pour éviter que ça fasse doublon avec le stabilisateur. Mais si ce n’est pas le cas pour vous, vous devrez sûrement activer l’option sur votre caméra directement.

Le petit bouton play ou « aperçu » permet de revoir le mouvement qu’aura le Ronin durant l’hyperlapse :

Et une fois que tout est OK, appuyez sur le bouton « enregistrer » :

Allez plus loins :

Pour ceux qui veulent aller plus loin avec leur Ronin S ou SC je vous conseille de lire une partie de la notice :

Nota Benne :
Pour ceux qui ont un bon pied de caméra, sachez que vous pouvez aussi y mettre votre Ronin SC afin d’élever sa taille lors d’un Hyperlapse :

Voilà, c’est tout pour cet article ! N’hésitez pas à poser vos questions en commentaire, à le partager à ceux que ça pourrait intéresser et à me suivre sur les réseaux pour soutenir mon travail. Passez une très bonne journée et à la prochaine pour plus de contenu !

Faire un Hyperlapse avec un Ronin SC : est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Time lapse avec un Alpha 7RIII et Premiere pro

Neel Naja — Thu, 25 Aug 2022 10:09:01 +0000

Pour ceux qui ne le savent pas, un Timelapse ressemble à ça :

Et la différence avec un Hyperlapse est que ce dernier est un Timelapse en mouvement :

Comme on voit ce genre de plan partout aujourd’hui, je me suis dit qu’il serait cool d’en faire un article. Vous saurez tout. Comment paramétrer votre boitier pour faire un timelapse et comment assembler vos images en post prod pour avoir une vidéo de qualité.

Donc sans plus tarder, voyons comment faire un timelapse et entrons dans le vif du sujet :

Le matériel :

Pour ceux qui ont un boitier Sony comme le mien (Alpha 7RIII), vous avez une option directement intégrée pour prendre des photos à intervalles réguliers. Mais, si vous n’avez pas cette option, vous devrez acheter un intervallomètre qui aura le même effet.

Cet outil vous permettra de prendre par exemple deux cents photos, une toutes les 5 secondes exactement, sans avoir à toucher à votre DSLR.

Sinon, pour les autres, vous n’avez besoin que de votre boitier et d’un pied de caméra pour rester stable !

Vous pouvez aussi prendre un filtre ND (neutral density) pour prendre des photos avec une exposition encore plus longue. Ce type de filtre réduit la luminosité, et si vous baissez l’obturation vous en aurez grandement besoin :

Bonus :
Pour ceux qui ont d’anciens appareils et qui ne savent pas combien de temps va durer leur timelapse une fois monté, je vous conseille d’utiliser ce site :

Cet outil vous permet de savoir combien de photos vous devez prendre, la durée du time lapse final, l’espace nécessaire sur la carte SD etc.

Maintenant que tout ça est dit, voyons les paramètres à faire sur notre boitier :

Les prérequis sur votre boitier :

Le timelapse est une série de photos donc si vous voulez en tirer la meilleure qualité, mettez-vous en Raw (mais sachez que certains logiciels ne les prennent pas en compte).

N’oubliez pas de faire la mise au point sur ce que vous voulez et de la verrouiller en manuel pour éviter de perdre le point pendant la durée du Timelapse.

Concernant les iso, vous pouvez soit vous mettre en automatique, soit entre 100 et 800, à vous de voir en fonction de votre sensibilité et de la scène à filmer. Mais n’oubliez pas le triangle de luminosité (Diaph, Iso, Obturation) et les conséquences qu’implique chaque changement de valeur.
Diminuez les Iso et fermez le diaphragme (pour avoir plus de profondeur de champs), et allongez l’obturation pour un plan fluide avec un peu de flou de mouvement.

Paramétrer le Time lapse sur un Sony Alpha 7 R III :

Pour paramétrer votre timelapse, allez sur la quatrième page du premier menu :

Mettez sur On “Interval Shooting» pour prendre des photos à intervalles réguliers.
La deuxième option concerne le temps de démarrage avant la prise de vue, si vous avez besoin de vous placer devant l’objectif.
La troisième option « shooting Interval» concerne le temps qui s’écoulera entre chaque photo
Le nombre de prises de vue se passe d’explication ; mais souvenez-vous que pour avoir un film fluide vous devez avoir au moins 24 images par seconde, donc pensez à ça pour calculer la longueur du Time Lapse.
La dernière option concerne la mise au point ; je vous conseille de la bloquer après l’avoir fait en manuel, mais selon votre sujet et sa vitesse de déplacement vous aurez peut-être besoin d’élever la sensibilité du Focus à « High ».

Ensuite vous n’avez plus qu’à cliquer sur le bouton de prise de vue et votre appareil fera le reste.

Petite astuce : essayez de sécuriser le pied de votre caméra avec un Sand bag ou autre pour éviter que le vent ou toutes autres perturbations ne fassent tomber votre pied

Nota Benne : Un time laps sera toujours plus intéressant s’il y a du mouvement. Donc essayez de choisir un endroit qui permet de capter différents types de mouvements (train, voiture, gens, nuages …)

Post production sur Premiere Pro

Une fois que vous avez créé le projet, faites clic droit dans la fenêtre de projet et cliquez sur « importer » :

Cliquez sur la première photo puis sur la case « séquence d’images » :

Adobe prendra toutes les images et les regroupera dans un seul plan :

Si cette méthode ne marche pas, que vous avez cliqué sur « séquence d’images » mais que premiere pro n’importe pas toutes vos images, voici une deuxième méthode :

Faites CTRL + A pour sélectionner toutes les images sans importer votre projet :

Et faites importer directement. Le temps de chargement sera plus long mais ça fonctionnera.

Le problème en faisant ça c’est que les images durent trop longtemps. Il faut faire en sorte que chaque photo ne dure que le temps d’une image :

Ici chaque photo dure 5 secondes et on ne veut pas ça !

Ensuite faites contrôle A, sélectionnez toutes les photos sauf la séquence :

Puis cliquez sur une des photos et allez dans durée / Vitesse :

Ecrire exactement cette durée :

De cette manière vous indiquez au logiciel que chaque photo ne doit durer qu’une seule image, ainsi la durée de chaque photo a changé :

Cliquez ensuite sur la LIST VIEW pour vérifier que les photos sont dans le bon ordre et que le timelapse soit fluide et cohérent :

(Les photos sont dans l’ordre croissant)

Sélectionnez la première image, descendez-en bas de la liste, restez appuyé sur SHIFT et cliquez sur la dernière image (sans sélectionner la séquence) pour tout sélectionner, puis déplacez toutes les images sur la timeline et faisant un cliquer-déposer de la première image :

(Si vous aviez déjà mis vos images dans la timeline, supprimez-les et refaites un cliquer-glisser de vos images une fois que leur temps a été réduit)

Enfin, pour exporter votre projet faites CTRL + M :

Petite astuce :

Afin de rajouter un peu de mouvement, vous pouvez ajouter deux images-clé sur votre timelapse et créer un léger dézoome. Pour ça, cliquez au début de votre rush et augmentez l’échelle dans les « options d’effets » :

Appuyez sur le chronomètre pour ajouter une image clé au début du plan :

Mettez-vous ensuite à la fin de la vidéo :

Et revenez à une échelle de 100% :

Voilà, c’est tout pour cet article. Je ferais sûrement un autre article qui vous expliquera comment faire un timelapse avec d’autres logiciels et d’autres boitiers. En attendant portez-vous bien et à la prochaine pour plus de contenu !

Time lapse avec un Alpha 7RIII et Premiere pro est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Les meilleurs conseils pour filmer des produits à la maison ? (Vidéo Corporate) – Partie 2

Neel Naja — Thu, 24 Mar 2022 15:35:38 +0000

Dans cet article nous verrons les choses essentielles à connaitre lorsqu’on shoote des vidéos corporates à la maison ! Pour ceux qui n’ont pas lu la première partie je vous conseille de commencer par là.
D’ailleurs je pense que ces articles peuvent faire écho à ceux sur les techniques du cinéma donc pour ceux qui n’ont aucune base en lumière par exemple, ça peut être utile de les lires.

Sans plus tarder, commençons avec la première partie : le mouvement !

1) Mouvement du cadre et dans le cadre :

Souvenez-vous que dans ce métier, pour faire des plans créatifs, vous devrez vous acharner. Lorsqu’on a une idée, on tente souvent plusieurs trucs pour la réaliser mais 90% du temps ça ne marche pas ! Et c’est en apprenant de tous ces « mini échecs » qu’on peut ensuite s’améliorer et faire le plan qu’on veut. Alors ne vous démotivez pas si ça ne marche pas tout de suite ! C’est normal ! Au final dites-vous aussi qu’il vaut mieux rester simple, efficace et techniquement irréprochable plutôt que de faire des plans alambiqués mais de manière bancale.

J’ai pensé cette partie-là de l’article comme une série d’informations et d’idées différentes pour faire des plans « intéressants » à la maison. A vous de voir si certaines de ces idées vous intéressent et d’en développer d’autres mais lisez la suite de l’article pour ce qu’elle est : c’est-à-dire un fourre-tout d’idées 😊

Plateau tournant :

En règle générale, lorsqu’on shoote un produit il est important de rajouter du mouvement, que ce soit en post-prod ou sur le tournage. Pour ça je vous conseille d’acheter un plateau tournant et d’apprendre quelques mouvements de zoom sur Premiere pro (c’est très simple).

Bâton :

Pour le reste vous pouvez coller des ingrédients sur des bâtons sur la longueur ou au bout et faire tourner ces bâtons devant la caméra sur fond vert ou pas. Vous n’avez plus qu’à supprimer le bâton en post prod.
Supprimez les bout de bois pour avoir la sensation d’éléments qui tournent dans le vide ou qui bougent tout seul (chips qui sorte du paquet par exemple).

Perceuse :

Vous pouvez aussi utiliser une perceuse et coller des objets au bout (comme une canette vide par exemple) pour les faire tourner en diagonale ou autre.

Film plastique :

Pour ajouter du mouvement sur une pub de pop-corn, de céréales ou même de jus de fruits, prenez les différents ingrédients (ou une poignée de pop-corn par exemple) et placez-les sur un film plastique. Positionnez-vous devant le fond vert, en bas, et tirez d’un coup sec le film plastique pour le tendre et projeter les ingrédients en l’air. Filmez tout ça en slow motion et rajoutez l’image du produit en post prod avec les ingrédients qui volent derrière lui.

Vous pouvez ajouter un peu de miettes sur le film plastique pour un effet explosion si c’est thématique avec le produit.

Spider wire :

Le fil de pêche est également un bon moyen de suspendre des produits sur le fond et de les faire tourner sans trop de retouches en post prod.
Mais vous pouvez aussi utiliser le fil de pêche pour tirer une bière posée sur la table par exemple, et faire passer le plan en reverse sur Premiere pro pour avoir l’impression que la canette tourne sur elle-même et se positionne toute seule sur la table.

Utilisez aussi le fil de pêche pour décapsuler des cannettes sans avoir votre main dans le plan par exemple, ouvrir des boites en carton (mais scotcher le carton à la table) pour en sortir le produit par la suite etc.

B-roll :

Pour ceux qui ne le savent pas, le B-roll consiste à faire des plans dynamiques et rapides, qui s’enchainent facilement pour donner du peps au montage final. L’appellation s’oppose au A-roll qui sont les prises de vues principales.
On peut voir beaucoup de vidéos sur YouTube avec l’appellation B-roll et pour ceux qui ne savent pas ce que ça donne je vous conseille de regarder celles de Daniel Schiffer (l’un des plus connu dans ce domaine)

Pour ce type de plan, je vous conseille d’accompagner chaque mouvement en le suivant à la caméra. Essayez d’accompagner la trajectoire des objets que vous filmez ; par exemple, si vous filmez une pomme qui tombe, faites un mouvement de haut en bas avec la caméra. De cette manière, en utilisant des flous de mouvements ou des passages au noir, vous serez en mesure de réaliser des transitions fluides et sans à-coup qui donnent un certain cachet à la production.

Essayez au maximum de créer du mouvement DANS le cadre et DU cadre. Demandez à quelqu’un de jeter un fruit en l’air et de le rattraper, faites rouler l’objet sur la table avant de le saisir etc.
Vous pouvez aussi tourner autour d’un bol si quelqu’un jette des ingrédients à l’intérieur, alterner entre slow mo et accéléré etc.

Et n’oubliez pas que pour passer d’un plan à l’autre tout en restant fluide, le mouvement de la cam doit accompagner le mouvement du plan précédent. Si le premier mouvement fait haut-bas, alors le deuxième mouvement devra descendre également avant de partir sur le côté par exemple. Si vous juxtaposez un plan qui fait « haut-bas » et juste après un plan « bas-haut », on aura l’impression d’une saccade.

Les mouvements B-roll permettent de faire aussi des transitions fluides et créatives. Par exemple jetez un fruit en l’air et, suivant le mouvement avec votre cam, faites un Top shot lorsqu’il arrive en haut et filmez le fruit dans un troisième plan lors de sa redescente. Puis prenez le même fruit coupé en tranches et filmez les quartiers qui touchent la table. Vous pouvez ensuite donner la sensation que le fruit se coupe tout seul au montage si vous gérez bien les transitions.

Souvenez-vous que pour qu’une transition en flou de mouvement marche, vous devez baisser un peu votre obturation (ça ne marchera pas avec un shutter de 1/300 par exemple) et faire un mouvement final rapide.

Reverse shot (passer un plan en arrière) :

L’utilisation du reverse shot permet de faire une multitude de plans intéressants.
Par exemple, lorsqu’on se rapproche rapidement de notre sujet avec un stabilisateur, votre caméra aura surement du mal à faire la mise au point immédiatement, et vous rencontrerez aussi quelques difficultés à cadrer correctement votre sujet. Alors pour pallier ça, commencez votre plan avec le produit cadré et net puis reculez rapidement. Ensuite en post prod, passez le plan à l’envers et le tour est joué.

Tirez des objets d’un coup sec pour les faire sortir du plan avec un fil de pêche puis passer le plan à l’envers pour donner l’impression que les objets se positionnent tout seuls au centre de la table.

Secouez une canette de bière et faites passer la mousse en reverse, vous pouvez faire de même avec de la fumée par exemple.
Vous pouvez aussi renverser un paquet de chips juste après avoir enlevé le couvercle à l’aide d’un fil de pêche. Une fois l’image retournée en post prod et passée en arrière, on aura l’impression que les chips retournent dans le paquet avec le bouchon qui se clipse automatiquement.

Rentrer dans le paquet :

Que ce soit pour des céréales, des bonbons ou des popcorns, vous pouvez ouvrir le paquet par le haut et par le bas. Mettez un joli saladier en-dessous et demandez à quelqu’un de vous assister. Lorsque ce dernier ouvre le paquet par le haut, rentrez votre cam à l’intérieur du paquet et accompagnez le mouvement des ingrédients qui tombent dans le saladier juste en-dessous.

Vous pouvez faire le même type de plan avec des canettes de bière qu’on coupe en deux par exemple.

Tuyau en plastique :

Avoir deux petits tuyaux en plastique dans sa bijoute peut être très utile. Vous pouvez vous en servir pour diriger la fumée de votre machine à fumée ou les utiliser pour verser des liquides et croiser les fluides sans avoir deux jets de tailles différentes etc.

Stop motion :

La Stop motion est une technique assez simple qu’on peut utiliser pour une infinité d’effets différents. En prenant une série de photos qu’on ajoute ensuite en post prod pour donner la sensation d’une vidéo vous pouvez faire en sorte que des opercules de produits se soulèvent tout seuls, voir l’emballage d’un objet se retirer seul aussi etc.

La lumière :

Dans certains cas, la lumière peut servir à créer du mouvement. Sur des objets métalliques, ou avec un fond fait en aluminium par exemple, le fait de tourner une lumière autour du produit permet de créer des reflets qui changent vite et ajouter du dynamisme.
Si vous tournez un bouton de machine café par exemple, utilisez une light qui tourne en même temps que le bouton pour dynamiser le plan.

Voiture télécommandée :

Vous pouvez acheter des mini-voitures télécommandées à bon marché sur internet et ainsi réaliser des travelling fluides sans trop de budget.

Les plans essentiels :

N’oubliez pas de filmer plusieurs échelles de plans différentes. Prenez des plans larges comme des plans macros du produit et n’oubliez pas le plan final de l’objet qui affiche clairement la marque du produit (de même pour le premier plan).

2) Les astuces à connaitre lorsqu’on film des boissons ou des aliments :

Il n’est pas rare en tant que consommateur de se dire que le produit qu’on est en train de manger ne ressemble pas du tout à l’image sur la boite et c’est bien normal. En tant que vidéastes, on se doit de modifier certains produits pour que le rendu soit plus plaisant à l’écran. De plus, comme les temps de tournage peuvent être longs, certains aliments peuvent perdre leur « essence » de manière significative en quelques heures (ou quelques minutes pour une bière par exemple) !

Les cinq premières astuces sont des screen shots triés de cette vidéo de Daniel Schiffer :

Je trouve que les images sont très explicites mais la vidéo apporte quelques autres détails intéressants si ça vous intéresse.

Première astuce : plaque de carton

Pensez à mettre une plaque de carton entre chaque pancake pour avoir une séparation plus attrayante à la caméra.

Deuxième astuce : des billes

Mettez des billes au fond d’un bol pour voir les ingrédients de la soupe et éviter qu’ils coulent au fond :

Troisième astuce : Glue

Dans un bol de céréales, mettez de la glue pour une texture plus blanche et éviter d’avoir les céréales qui coulent et ramollissent trop vite. Dans un bol de céréales, mettez de la glue pour une texture plus blanche et éviter d’avoir les céréales qui coulent et ramollissent trop vite.

Quatrième astuce : liquide vaisselle

Ajoutez un tout petit peu de liquide vaisselle dans une tasse à côté et avec votre cuillère déposez quelques bulles sur le haut de votre café avant de filmer.

Cinquième astuce : le sel

Mettez du sel dans la bière pour la refaire mousser (et nettoyez bien chaque verre avant de le filmer pour éviter toute trace de doigts) :

Sixième astuce : glycérine

Achetez un peu de glycérine en pharmacie, mélangez avec un peu d’eau et versez ça dans un spray. Ensuite aspergez par endroit des canettes, des bouteilles de bière ou tout autre produit pour donner un effet mouillé ou rafraichissant. La glycérine est souvent utilisée en vidéo pour son aspect similaire à l’eau, mais avec une accroche plus importante. Le problème de l’eau est qu’elle coule vite en bas et les gouttes sont trop rapides. La glycérine reste plus longtemps et abime moins les étiquettes.

Septième astuce : Vernis

Utilisez du Vernis Matt pour donner un look congelé au verre. Ce type de vernis permet aussi aux gouttes de glycérine de couler plus lentement.

Conclusion :

Et voilà, c’est déjà la fin de cet article mais d’autres dans le même style verront le jour prochainement !
En attendant prenez soin de vous, posez vos questions en commentaire et à la prochaine pour plus de contenu !

Les meilleurs conseils pour filmer des produits à la maison ? (Vidéo Corporate) – Partie 2 est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !