Comment améliorer ses vidéos et obtenir un Look Cinéma ? (Partie 1)

Sommaire et contenu de l'article :

Avant de commencer cet article il est important de rappeler que le matériel ne fait pas le photographe ! Les débutant s’imaginent souvent que pour obtenir un look cinéma il faut une meilleur caméra… C’est faux !
Un équipement d’entrée de gamme dans les mains d’un pro fera de bien meilleures images qu’un amateur avec une Epic RED !

Chaque Caméra ou DSLR a ses avantages et ses défauts et vous pouvez déjà commencer à vendre des prestations même si votre appareil n’est pas le dernier en vente sur le marché.

Ce qui fera la différence sur le terrain, c’est votre expérience et vos connaissances !

Essayez de tirer le meilleur parti du matos que vous avez déjà plutôt que d’imaginer toutes les choses que vous pourriez faire avec le matos que vous n’avez pas.

Sur ce, commençons avec la première partie pour améliorer vos vidéos :

1) La composition :

Savoir composer une image se base beaucoup sur le ressenti et l’expérience. En vérité, il n’y a pas qu’une bonne manière de faire (et c’est un peu partout pareil en art). Mais je vais tout de même essayer de vous donner quelques indications pour améliorer vos plans :

Pensez à la profondeur de champs et à séparer votre sujet du fond.

La plupart des amateurs ne pensent ni à la profondeur de champs ni aux différents plans dans une image (premier plan, arrière-plan etc.). Le sujet ainsi que tout le reste du décor est net mais aucun élément, ou aucune ligne ne vient diriger le regard…
Posez quelque chose au premier plan (un objet, une structure ou autre) pour donner plus de profondeur à votre image !
Et quand le plan s’y prête, gardez une faible profondeur de champs (un flou d’arrière-plan) pour séparer votre sujet du décor.

Mais vous pouvez aussi séparer votre sujet du fond en utilisant des Light de couleur (Une orange/rouge pour la peau par exemple et une bleu pour le fond). Mais on reviendra sur cette technique tout à l’heure…

Une autre manière de faire est de rendre l’arrière-plan plus sombre que le premier plan (si votre sujet porte des vêtements clairs) ou inversement (si votre sujet porte des vêtements sombres)

Pensez également à aérer un peu le haut du crâne de votre sujet. Il est préférable de ne pas coller les personnages au bord du cadre (sauf effet contraire recherché)

Ajouter quelque chose au premier plan permet de jouer sur les différents plans de l’image et ainsi avoir une composition d’image plus complexe et plus cinéma.

Penser votre composition avant chaque shooting et pour ça prenez le temps d’analyser l’endroit où vous êtes et ce que vous pouvez faire. Des principes comme la règle des tiers peuvent vous aider au début, mais vous pouvez vous en éloigner à terme pour un style qui vous définit plus.
Essayez d’utiliser les lignes naturelles pour composer votre image par exemple (comme celle d’un pont, d’une barrière ou autre)

Une autre manière de composer avec les lignes est d’utiliser la symétrie comme Wes Anderson.

Dans la même veine, n’oubliez pas d’équilibrer votre image en ne laissant aucun endroit « vide ».
Par exemple si votre sujet est cadré sur la droite et que sur la gauche il n’y a qu’un mur blanc il est préférable de rajouter une lampe, un meuble ou quelque chose pour éviter d’avoir une moitié d’image avec des éléments et l’autre sans rien.
Il faut savoir équilibrer ses plans et cet article montre de très bons exemples en photo

Pensez l’équilibre d’une photo revient également à définir un sujet principal. Sur certains plans ou photos on n’arrive pas à savoir ce que le photographe a voulu immortaliser. Si c’est la maison, la plante devant ou autre chose. Il est donc très important de savoir ce qu’on veut montrer et de penser sa composition en conséquence.

Pour avoir des exemples en photos je vous conseille ce site.

Il est important que lorsque quelqu’un regarde votre travail il sache exactement où regarder (car vous aurez pensé votre image pour diriger le regard naturellement sur ce que vous voulez montrer)

Quelques questions pour aiguiller votre réflexion :

La composition est quelque chose de très complexe qui ne fait pas forcément appel à des règles qu’on peut mémoriser et appliquer… Une bonne composition se travaille avec le temps et l’instinct de chacun, donc, pour améliorer vos plans, je vous conseille quelques points de raisonnement (parce que c’est en pensant notre plan/photo que les choses commencent) :

Quel est le cœur émotionnel de la photo, si vous avez un sujet ou une chose à montrer il faut que ce soit clair pour le spectateur :
Le cœur de votre photo peut être un visage, le contraste entre deux choses (deux lumières/ deux sujets etc.) mais vous devez savoir ce que c’est pour agir en conséquence et prendre des décisions réfléchies…

– Essayez de raisonner en termes d’énergie (une ligne en diagonale aura plus de dynamique qu’une ligne droite par exemple, et aura peut-être plus de sens pour un personnage tête en l’air que pour un homme droit et carré). Souvenez-vous d’ailleurs que les diagonales peuvent être accentuées par des objectifs grand angle proche du sujet.
Réfléchissez… est-ce que vous voulez donner un côté « posé et statique » à la scène, ou au contraire un angle plus « dynamique » ?
N’hésitez pas à vous écarter de la scène, bouger un peu et tester différents angles pour ça !

– Une bonne manière d’éduquer votre œil à la composition est d’étudier les photos des autres ainsi que certains plans. Essayez de réfléchir pourquoi tel ou tel plan a accaparé votre attention sur les réseaux par exemple, est-ce le sujet ? le mouvement ? la lumière ? A force de swiper on finit par ne plus vraiment regarder…
Pour faire des photos ou des plans captivants vous devez vous demander ce qui vous captive et pourquoi (est-ce que c’est l’histoire que le plan raconte, les lignes, les couleurs etc.)
Pour aiguiser votre regard vous pouvez faire un tour sur le site « film Grab » qui upload des centaines de plans différents !

Attention ! Toutes ces « règles » qu’on apprend ne sont jamais des règles à suivre aveuglément ! Ce sont plutôt des astuces, des conseils, des angles de réflexion pour penser votre image. Vous devez toujours réfléchir à votre scène et jauger les meilleurs choix pour tirer le mieux de votre acteur ou de l’endroit ! Mais finalement, c’est votre expérience qui fera la différence et le temps passé à analyser ce qui vous captive. Ce n’est pas la technique pure et dure ni toutes les petites règles clé en main qu’on apprend sur le net qui fera une réelle différence (en tout cas pour la composition).

Les règles qu’on applique sans réfléchir rendent nos choix faciles mais avec un résultat un peu ennuyant.
Les astuces et l’équipement n’aident pas forcément à une meilleure photo, elles offrent seulement des possibilités et aident à la réflexion.

Il faut d’abord apprendre à comprendre l’équilibre, la tension, l’émotion, le contraste visuel, la géométrie, les gestes etc. pour améliorer réellement vos compositions !

En attendant, voici une série d’image réalisé par le talentueux « mitchleeuwe » sur Instagram pour vous aider dans la composition :

2) La lumière :

La lumière est l’une des choses les plus importantes lorsqu’on filme une scène et vous devez donc apprendre à la « sculpter » !
Il existe plusieurs types d’éclairage mais le plus classique est l’éclairage en 3 points :

– La Key light éclaire le sujet et donne le rendu principal ;
– La Fill light permet de déboucher les ombres et d’atténuer les contrastes. Elle est souvent plus douce que la key light et peut être remplacée par un réflecteur (selon le rendu souhaité).
– la Back light éclaire le dos du sujet afin de mieux le séparer du fond. Certains placent une « Hair Light » afin d’éclairer un peu le sujet par derrière et créer un liseré de lumière sur les cheveux mais la volonté est similaire.

Parfois une quatrième light vient éclairer le décor pour supprimer des ombres portées ou donner plus de profondeur à la scène… Mais si vous n’avez que deux light vous pouvez faire un éclairage en deux points (Key Light et Back light pour détacher votre sujet du fond).

Ces types d’éclairages sont très communs et ne s’adapteront pas forcément à tous les rendus. Vous devez surtout commencer par comprendre la lumière afin de créer les scènes que vous voulez !

En attendant, voici d’autres éclairages types qui peuvent vous aider dans votre réflexion sur la lumière :

Le projecteur est face au sujet un peu en hauteur.
Ce type d’éclairage permet d’atténuer les rides et de souligner les pommettes.
Cependant il peut également amplifier les cernes (ainsi que l’ombre projetée par un gros nez) et creuser les joues.
petite astuce : Selon la hauteur de votre projecteur ou de votre sujet vous pouvez aussi demander à votre modèle de tenir un réflecteur pour déboucher les ombres du cou et des joues.

Le projecteur est placé à environ 30-45° par rapport à l’axe du visage et légèrement plus haut que la hauteur des yeux comme pour le premier modèle.
Attention à ne pas mettre son projecteur trop haut pour éviter une perte de « catchlight » (lumière reflétée dans les yeux du modèle qui donne une étincelle dans le regard)
L’ombre n’est plus sous le nez mais forme une boucle sur une des joues.
Cette ombre ne doit pas rejoindre l’ombre de la pommette et être orientée vers le bas.

Le Rembrandt tire son nom du fameux peintre qui reproduisait souvent un triangle de lumière sous les yeux…
On déplace encore sur le côté le projecteur mais cette fois-ci on le place moins haut que les deux autres fois afin que la lumière heurte la joue et pas le bas.
L’ombre du nez s’allonge pour rejoindre l’ombre de la joue et former un petit triangle.
La source de lumière est presque à 90° mais pas tout à fait sinon il s’agirait de l’éclairage suivant.

Comme son nom l’indique on fend en deux le visage du sujet. Une moitié dans l’ombre l’autre dans la lumière.
Le projecteur est donc à 90° du sujet.

Attention ! :

La direction de la lumière est un paramètre très important à prendre en compte.
Une lumière un peu trop haute va créer des ombres projetées sur les yeux et le cou du sujet et une lumière un peu trop basse rendra votre sujet « creepy »… Donc réfléchissez à l’endroit où vous posez votre lumière !

Lorsque la source de lumière est assez haute (par exemple en lumière naturelle aux alentours de midi) faites attention aux yeux de raton laveur (formés par l’ombre portée) sur votre sujet.

Et pour ceux qui veulent aller plus loin, je vous conseille d’aller voir la page Instagram de Kenzen Takahashi. Vous y trouverez différents types d’éclairages et les schémas des plans de feu utilisés pour certaines de ses photographies.

Quelques astuces à retenir sur la lumière :

Si une light est posée à droite du sujet, vous pouvez placer la cam sur la gauche, du même côté que l’ombre projetée. Se positionner du côté ombre permet de rajouter de la profondeur au personnage, un côté dramatique à la scène, même si le contraste n’est pas bien marqué.

N’hésitez pas à ajouter un peu de couleur à vos lumières. Dans les blockbusters américains, ils utilisent souvent le contraste Orange et Bleu. Le CTB (Convert To Blue) permet souvent d’éclairer le fond et le CTO (Convert to Orange) les visages, mais selon la scène, ça peut être l’inverse.

L’idée dans cette technique est d’utiliser deux couleurs opposées dans le cercle chromatique pour bien détacher le premier plan de l’arrière-plan (et à fortiori mieux détacher le sujet du fond). Donc référez-vous à la roue chromatique pour différentes variations de cet effet !

Une autre petite astuce à garder en tête c’est d’avoir une lumière qui ne sort pas de « nulle part ». Si vous éclairez un sujet sur la droite mais qu’à cet endroit il n’y a ni fenêtre, ni feu, ni light de salon par exemple, le rendu sera bizarre.
Donc essayez de garder une source de lumière à l’écran.

Les plans semblent plus naturels si on rajoute par exemple une petite lampe dans le champs pour faire croire que la lumière provient de cette lampe et non des projos hors du cadre.

(On peut voir clairement sur ces plans qu’une source de lumière visible aide à avoir un rendu plus naturel. Sans les bougies en arrière-plan le rendu serait beaucoup plus artificiel et donnerait l’impression d’être vraiment filmé dans un studio avec des light tout autour des comédiens… Quand bien même ces bougies ne servent qu’à voir la source de lumière, mais ce ne sont pas ces light qui éclairent l’acteur !)

Si vous n’avez pas de projecteur, vous devez comprendre comment la lumière naturelle peut vous aider. Je pourrais faire un article complet dessus mais ici nous allons voir trois astuces principales :

Filmer en Golden Hour pour une lumière chaude et douce qui donne un mood particulier !

L’heure dorée arrive un peu avant le lever ou le coucher de soleil. Des applications comme « Photo Time Calculateur » vous permettent de savoir de quand à quand vous pouvez shooter avec ce type de lumière.

Filmer en Blue Hour :

L’heure bleue est le moment entre le jour et la nuit où le ciel se remplit d’un bleu plus profond que la journée. Ce laps de temps est encore plus court que l’heure dorée mais offre énormément de variations de couleur et une lumière très particulière !

Et filmer lors d’un ciel couvert pour avoir une lumière blanche assez diffuse :

Utilisez une Catch Light (ou Eye Light) afin de refléter une lumière dans les yeux de votre sujet et le rendre plus vivant. Ça n’a l’air de rien comme ça mais l’effet marche vraiment au point qu’ils en rajoutent même dans les dessins animés.

Vous pouvez aussi utiliser de la fumée pour ajouter de la profondeur à votre image. La fumée peut vous servir à détacher votre sujet du fond, à créer un premier plan, à refléter la lumière dessus … En plus de ça vous pouvez utiliser des fumées de différentes couleurs pour compléter vos lights !

Pour finir, si vous n’avez pas de projecteur chez vous, achetez au moins un réflecteur pour vous aider.

Conclusion :

Voici pour la composition et la lumière. Deux autres articles arrivent où nous verrons les autres éléments à prendre en compte pour améliorer vos plans !
Sur ce, prenez-soin de vous et laissez vos questions en commentaire.
A la prochaine !

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