Archives des Post Production -

Comment exporter correctement une vidéo sur Adobe Premiere pro :

Neel Naja — Wed, 15 Nov 2023 16:10:11 +0000

Savoir exporter une vidéo sur Premiere pro est primordial pour garder la qualité de nos rushs intacts.
Même si vous n’êtes pas obligé de tout comprendre en détail, voici quelques éléments à retenir pour exporter correctement vos vidéos sur Premiere Pro.

1) Savoir sur quelle plateforme vous allez diffuser :

Pour exporter une vidéo sur Premiere pro vous pouvez utiliser le raccourci CTRL + M ou bien aller dans l’onglet « fichier » et « exportation » – « média » :

Si vous voulez exporter votre vidéo pour le web (Facebook, Insta, YouTube …), choisissez le format H.264 :

Pour aller plus vite, sachez aussi que Premiere Pro vous propose déjà certaines pré configurations pour différentes plateformes :

Dans tous les cas, sachez que chaque plateforme de diffusion va compresser à nouveau vos vidéos.

2) Exporter une vidéo sur Premiere pro de manière personnalisé :

– Vous pouvez cliquer sur l’icône « Correspondance des sources » afin de d’avoir les mêmes paramètres pour votre export que ceux de la vidéo source d’origine.

– N’oubliez pas de cocher les deux cases « Rendu à la résolution maximale » et « Utiliser la qualité de rendu maximale » :

– Dans les paramètres de codages choisir un profil « supérieur » :

– Et en ce qui concerne les niveaux, choisissez 4.2 si vous filmez en 1080p ou 5.2 si vous filmez en 4K :

Réglez ensuite votre débit :

Un encodage du débit CBR (constant bit rate) permettra d’avoir un débit constant, à l’inverse, en VBR, le débit sera variable. Sur l’image ci-dessus, un débit cible de 16 signifie que chaque seconde, 16 mégabits seront alloués pour coder votre vidéo.
Cependant, en fonction des plans, vous n’aurez pas besoin du même débit.
Un rush avec beaucoup de détails (feux d’artifice, reflet, paillette etc.) aura besoin de plus de débit pour coder la vidéo.

Je vous conseille d’utiliser le « VBR, 2 passages » et de régler correctement votre débit cible et votre débit maximum en fonction du type de vidéo :

Pour Instagram et Facebook, l’export sera plus ou moins similaire, seul les débits changent :

Si vous ne savez pas trop où le client diffusera tout ça, vous pouvez faire les réglages génériques suivants :

Dans les réglages de vidéos de base, vous pouvez sélectionner l’aspect pixels carrés (pour pas avoir d’effet anamorphique).

3) Export de l’audio :

Normalement, il n’y a pas grand-chose à modifier :

Laissez le format audio AAC et les canaux en stéréo :

Laissez aussi la qualité audio « supérieur » et le débit maximum à 320 :

4) Exporter une vidéo sur Premiere pro avec la plus grande qualité :

Si vous voulez avoir la meilleure qualité pour une diffusion en cinéma ou sur la télé :
Vous devez utiliser le codec Prores. Sachez que ce codec-là est très lourd et qu’il ne convient pas vraiment à l’envoi de fichier en ligne, mais c’est celui qui propose la « meilleure » qualité.

Pour ça, vous devez choisir le format QuickTime (.mov) et la pré-config Apple ProRes 422:

N’oubliez pas de cocher les deux cases vu dans la partie 2 « Rendu à la résolution maximal » et « Utiliser la qualité de rendu maximale ». Vous aurez une vidéo .MOV qui vous donnera la meilleure qualité mais elle ne sera pas diffusable sur le web.

5) Exporter les sous-titres :

Si vous avez fait générer des sous-titres automatiquement par Premiere pro, n’oubliez pas d’aller dans « légendes » et de changer l’option d’exportation « aucun » pour « graver les sous-titres sur la vidéo ».

6) Enregistrer une config :

Pour éviter de recommencer tout ça à chaque fois, je vous conseille d’enregistrer vos configurations une fois qu’elles sont faites et de les renommer :

Vous pourrez ensuite choisir ces paramètres d’export dans l’onglet « pré configuration ».

NB : Dans la nouvelle version d’adobe, c’est cette icône :

Voilà, c’est tout pour cet article ! N’hésitez pas à poser vos questions en commentaire ou à le partager à ceux que ça pourrait aider.
Pour aller plus loin, je vous conseille les deux vidéos suivantes :

En attendant, prenez soin de vous et à la prochaine pour plus de contenu !

Comment exporter correctement une vidéo sur Adobe Premiere pro : est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Etalonner un visage sur Adobe Premiere pro

Neel Naja — Thu, 07 Apr 2022 13:30:24 +0000

Dans cet article nous verrons comment étalonner un visage sur Premiere Pro et pour ceux qui veulent allez plus loin je vous conseil de lire les articles que je fais sur l’étalonnage. Sans plus tarder, entrons dans le vif du sujet !

Couleur Lumetri

Allez dans l’espace « Couleur » pour avoir tous les outils de « Couleur Lumetri »

Utilisez les outils de Premiere Pro comme le Vectorscope pour faire votre balance des blancs et bien étalonner puisqu’après des heures d’étalonnage notre perception a tendance à être faussée et selon l’étalonnage de notre écran on peut avoir des résultats différents…

On voit par exemple sur l’outil tout à gauche (Forme d’onde primaire RVB) que mon image est un peu « trop » orangée mais c’est le style voulu. En tous cas, on nous indique que la quantité de bleu est faible et que pour avoir une balance des blancs « juste » et neutre on devrait avoir à peu près la même quantité de chaque couleur.

Faites clic droit n’importe où dans les outils de « Moniteur Lumetri », pour afficher les autres fenêtres et les autres outils :

Moi j’aime utiliser le vectorscope YUV qui m’indique le taux de saturation de chaque couleur.

Si la tache blanche dépasse la ligne, c’est que la couleur est trop saturée :

Maintenant, pour ne cibler qu’un visage par exemple, on pourrait faire un masque mais ça demanderai de faire du tracking et Premiere Pro n’est pas très fort pour ça.

Donc pour que le vectorscope, par exemple, n’analyse que les tons de la peau, on peut retourner dans les options d’effet et créer un masque avec l’outil opacité sur le front de mon sujet par exemple :

En revenant sur Moniteur Lumetri, les valeurs ont changé et affiche les modifications apportées dans la zone sélectionnée. De cette manière, nous pouvons étalonner notre image en se concentrant sur une zone particulière plutôt que d’avoir des outils qui analysent notre image tout entière.

Sachez par exemple que pour avoir un visage « neutre », étalonner « correctement », la ligne de couleur doit se situer sur l’intersection du jaune et du rouge :

Outil TSL secondaire :

Avec cet outil vous pouvez modifier une teinte en particulier :

Prenez la pipette et cliquez sur le front de votre personnage pour sélectionner les teintes correspondantes :

En cliquant sur Couleur/ gris, on peut voir en couleur les nuances de tons sélectionnées :

Donc prenez la pipette avec le plus pour ajouter de nouvelles teintes tout en gardant les anciennes :

On voit que des éléments du décor partageant les mêmes teintes que la peau sont sélectionnés, mais c’est pas bien grave :

Pour affiner votre sélection n’hésitez pas à bouger les curseurs disponibles :

Une fois que vous avez correctement sélectionné vos teintes vous pouvez les modifier avec la (ou les) roue(s) chromatique(s) juste en dessous.

Maintenant enlevez la « couleur / gris » pour voir les modifications que vous faites sur la peau. N’oubliez pas de rester subtil dans vos retouches pour éviter de trop dénaturer l’image.
Vous pouvez zoomer dans l’image avec ça pour y voir plus clair :

Voilà, c’est tout pour cet article, n’hésitez pas à poser vos questions en commentaires et à partager à ceux que ça pourrait intéresser !

Etalonner un visage sur Adobe Premiere pro est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Changer la couleur des yeux sur Adobe Premiere pro

Neel Naja — Sat, 02 Apr 2022 13:46:38 +0000

Avant de commencer, sachez que Premiere pro n’est pas du tout optimisé pour du suivi et donc si votre plan bouge trop vous risquez de galérer. En règle générale ce genre d’effet se fait sur After Effect, mais pour ceux qui ne l’ont pas, un article sur Premiere Pro peut être utile.

Sachez qu’il existe toujours plusieurs façons de faire un effet, que ce soit sur Photoshop ou sur Premiere pro. Donc sans plus tarder on commence avec la première manière :

PREMIERE MANIERE : Partie 1 : Créer un masque

On va commencer par créer un masque sur l’œil et réaliser une méthode de suivi pour que l’effet ne s’applique qu’à l’œil et non au reste de l’image.

Allez dans « effet » et tapez « couleur »

Faite un cliquer glisser de « couleur lumetrie » sur le rush que vous voulez modifier :

Puis vous allez utiliser la plume et faire une série de points sur votre œil.

Pour ce faire, zoomez dans l’image :

Et cliquez pour faire des points (c’est pas grave si le cercle est un peu grossier pour l’instant) :

Puis en tirant l’embout bleu vous pouvez augmenter le contour progressif (ou alors en allant dans les options d’effet) :

Partie 2 : Faite suivre le masque image par image

Avant de faire suivre le masque image après image on va faire des cuts au moment où l’œil se ferme pour éviter tout problème.

Pour ça, cliquez sur le raccourci C de votre clavier ou sur le cutter et faites un cut sur la timeline à chaque fois que votre œil se ferme :

Une fois que c’est fait et que vous connaissez exactement les rushes à modifier vous pouvez commencer.

Mettez-vous au début du rush et dans les options d’effet, enclenchez la boussole à côté de « tracé du masque »

Puis on va cliquer sur la clé à molette à côté pour sélectionner le fait qu’on veut seulement un suivis de la position du masque dans l’espace :

Vous pouvez ensuite appuyer sur la flèche, et attendre que le chargement se fasse :

Si vous avez déplacé des rushs où l’œil se ferme, procédez de la même façon sur tous les rushs où votre sujet garde les yeux ouverts. N’oubliez pas de replacer votre masque au début de chaque rush.

Puis, replacez les points de votre masque correctement afin qu’ils ne dépassent pas de l’œil. Et faites-le, image par image en appuyant sur les flèches du clavier.

N’oubliez pas CTRL + Z pour annuler ou alors allez dans « fenêtre » et « historique » pour afficher la fenêtre d’historique et ainsi supprimer les modifications que vous voulez :

Si vous ne voyez plus votre masque cliquez ici :

Partie 3 : Changer la couleur :

Pour modifier la couleur vous pouvez soit aller dans réglages de base dans les options d’effets (température / teinte) :

Soit dans couleur lumétrie :

Si vous ne savez pas comment ça marche je vous conseille de lire cet article.

Conclusion :

Maintenant que vous connaissez la manière de faire un masque vous pouvez créer plein d’autres effets, par exemple en noircissant le blanc des yeux pour donner un côté démoniaque ou en faisant briller certains objets pour donner un côté fantastique. A vous de voir !

Mais un autre article sur les masques arrivera prochainement !

Sur ce, cet article est terminé, n’hésitez pas à le partager à ceux que ça pourrait intéresser ou à vous abonner aux comptes Instagram.

A la prochaine pour un autre article !

Changer la couleur des yeux sur Adobe Premiere pro est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Comment faire un générique défilant sur Adobe Premiere pro

Neel Naja — Sun, 30 Jan 2022 11:29:41 +0000

Dans cet article nous verrons comment faire un générique défilant sur Adobe Premiere Pro et les informations essentielles à connaitre lorsqu’on le fait.

La zone de texte :

Tout d’abord préparez la zone de texte :

Après avoir cliqué sur l’icône texte, si vous cliquez sur l’image, un calque de texte va s’afficher, mais si vous faites un cliquer-glisser vous allez créer une zone de texte, qui vous permettra d’aller à la ligne directement.

Ensuite, il y a deux manières d’animer le générique.

Première manière (version récente d’adobe) :

Faite apparaitre la fenêtre « d’objets graphiques essentiels » :

En cliquant sur le texte les options apparaissent, il faut cliquer à côté du texte pour afficher le menu qui nous permet de cliquer sur « déroulement vertical »

En cliquant sur cette icône (deroul.vert.) on peut voir apparaitre d’autres sous-menus

Début hors écran et fin hors écran pour que le début et la fin du générique soient hors écran (évidemment 😊)
Le sous-texte preroll concerne le temps qui va passer avant que le générique commence.
Pour le postroll, c’est le temps de seconde d’arrêt à la fin du générique

Et vous pouvez gérer le texte avec la barre verticale à gauche de l’image.

Deuxième manière : faire une animation (pour les versions antérieures de Premiere Pro) :

Pour ça, rendez-vous dans la fenêtre des options d’effet en haut à gauche :

On clique sur la position pour créer une image clé au début de la timeline du générique. Puis cliquez sur l’icône d’image clé (dans l’image du dessous c’est l’icône entourée en bleu à gauche) pour créer une autre image clé à la fin de la timeline (à droite) :

Ensuite cliquez sur les flèches pour revenir à la première image clé

Et changez la position pour le mettre en bas

Puis retournez au point clé de fin et positionnez le texte en haut :

Et Hop, le tour est joué !

Marge admissible :

L’icône des marges admissibles peut vous être utile dans certains cas. Cliquez sur le « plus » en bas à droite des rushes visionnés sur Premiere Pro :

Sélectionnez l’icône entourée en bleu et faites un cliquer-glisser dans la barre d’outils juste en-dessous

Lorsque vous cliquez sur l’icône, deux rectangles apparaissent sur l’image :

Les marges admissibles permettent de lire le texte toujours dans la même zone, peu importe l’écran qui le projette (le rectangle intérieur) et le rectangle plus grand correspond aux marges admissibles d’action (toutes les actions qu’on verra seront visibles sur n’importe quel moniteur) et à l’extérieur, on n’est pas certain de voir l’action ou le texte. A savoir que ces marges viennent de l’époque où on projetait les images avec des tubes cathodiques et les lettres pouvaient être déformées sur les bords.

Exporter le générique :

Vous pourrez lui donner un mot clé et le retrouver dans les éléments graphiques ici :

Tapez le mot clé dans la barre de recherche pour le retrouver

Sur ce, prenez soin de vous, posez vos questions et partagez ce contenu à ceux que ça pourrait intéresser et à la prochaine pour plus de contenu !

Comment faire un générique défilant sur Adobe Premiere pro est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Comment tourner avec un fond vert et Ajouter une image sur Premiere pro

Neel Naja — Thu, 27 Jan 2022 12:43:31 +0000

Bonjour à tous, dans cet article nous verrons comment utiliser un fond vert en tournage et en post prod sur Premiere Pro. Sur ce, commençons par les bases !

Pourquoi utiliser la couleur verte ? :

Le vert est la couleur la moins présente et la plus éloignée sur le spectre des teintes de peau. Il existe d’autres types de fond (comme le fond bleu), mais dans tous les cas, évitez de porter la couleur du fond sur vos vêtements pour ne pas compliquer les choses au montage…

Uniformiser le fond pour éviter des écarts de lumière :

Faites attention à la lumière !
Vous devez savoir éclairer uniformément votre fond vert pour qu’il y ait le moins de zones « claires » et « ombres » possible. Plus l’éclairage est uniforme plus l’incrustation sera facile.

ET penser à la lumière qu’il y aura dans l’image que vous rajouterez derrière.
Si vous shootez sur un fond vert parce que vous n’avez pas assez d’argent pour shooter sur les plages des Bahamas, pensez tout de même à l’éclairage qu’il y a sur place. Si vous prenez une vidéo sur une banque d’image libre de droit pour simuler ces plages, essayez de reproduire sur votre fond vert et votre personnage le même type d’éclairage qu’il y’a sur la vidéo, sinon on risque de très vite voir que c’est fake !

Astuce :
Pour ceux qui n’ont pas de fond vert mais qui souhaiterait quand même s’entrainer, vous pouvez utiliser votre télé comme fond vert. Choisissez une image de fond sur google et laissez votre télé allumée. Après tout dépend de la taille de votre télé, mais je pense que la plupart d’entre vous ont une télé assez grande pour pouvoir filmer des objets sur fond vert au minimum.

A quelle distance se mettre ?

Il n’y a pas vraiment de règle à cette question-là, mais que ce soit pour des objets ou pour filmer une personne, essayez de l’éloigner un peu du fond vert pour éviter les ombres projetées qui gêneront l’incrustation.

Petite astuce :
Si vous baissez votre diaphragme (par exemple F2), vous aurez moins de profondeur de champs, et un fond vert flou c’est un fond vert uniforme beaucoup plus facile à supprimer en post prod.

Comment ajouter une image sur le fond vert en post prod ? :

Pour supprimer votre fond vert, Adobe Premiere pro le fait très bien.
Allez dans « Effet » – « Incrustation » et « Ultra Key »

Puis, sélectionnez la couleur que vous souhaitez supprimer :

Pour ensuite fignoler la « découpe », vous pouvez déjà changer les paramètres de sortie et sélectionner « couche Alpha » :

Ce paramètre nous permettra de voir plus simplement les pixels encore présents dans notre image :

En blanc, ce sont les parties de l’image qui restent et en Noir ce sont les détails qui seront supprimés.
On voit donc dans mon image sur la gauche un peu de blanc ainsi que le point lumineux au-dessus de la perceuse.

Donc pour ça, vous pouvez changer certains paramètres prédéfinis :

On voit par exemple qu’en « dynamique », les couleurs blanches sur les côtés ont disparu mais pas le point lumineux au-dessus de la perceuse :

Si les taches lumineuses sont sur les côtés vous pouvez aussi utiliser l’outil recadrage :

Comme pour tout à l’heure, vous pouvez faire un cliquer glisser sur le rush et ensuite changer les paramètres dans « options d’effet » :

Modifier le pourcentage des quatre paramètres (Haut, Bas, Gauche, Droite) pour rajouter des volets noirs à ces endroits.

Moi j’ai rajouté un petit volet noir en haut pour cacher la tache de lumière et en passant en sortie « composite » on peut voir un peu le rendu :

Si vous voulez affiner un peu mieux votre découpe, allez dans les paramètres un peu plus bas :

A savoir que « nettoyage du masque » sert lorsque le fond vert est un peu de mauvaise qualité,

Et que la « correction colorimétrique » est utile lorsque le fond vert déteint sur notre sujet.

Sachez également que si vous voulez modifier la colorimétrie de votre image par exemple, vous pouvez faire en sorte de placer votre effet « en -dessous » ou au-dessus des autres effets :

En faisant un cliquer-glisser (drag and drop) vous pouvez faire en sorte de déplacer l’ordre dans lequel chaque effet est appliqué (un peu comme sur les calques de Photoshop)

Comment ajouter le fond ?

Une fois que tout est fait, vous pouvez ajouter un fond à votre vidéo. Télécharger quelque chose sur une banque d’images libres de droit et ajoutez votre vidéo de la même manière que d’habitude sur votre time line.
L’idée étant de placer votre fond entre votre vidéo et le son (ici mon fond est en orange) :

Et normalement le tour est joué ! N’hésitez pas à poser vos questions en commentaire et à la prochaine pour un autre article !

Comment tourner avec un fond vert et Ajouter une image sur Premiere pro est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Savoir utiliser et exporter les LUT

Neel Naja — Sat, 15 Jan 2022 13:33:40 +0000

Dans les deux précédents articles nous avons vu tous les outils de base pour l’étalonnage ! Il nous reste une chose à voir : les LUTs ! Donc sans plus attendre, entrons dans le vif du sujet !

Insérer un LUT :

Pour ceux qui ne le savent pas, un LUT est en quelques sortes un filtre Instagram très amélioré 😊

Il existe 2 types de LUTs pour modifier l’aspect de ses vidéos. Les LUTs 1D et les LUTs 3D.

Dans une LUT 1D, chaque valeur d’entrée de chaque couleur primaire (rouge, vert, bleu) est convertie sans tenir compte des deux autres couches de couleurs.
A savoir également que ce type de LUT ne peut modifier la saturation séparément du contraste, si vous touchez à l’un, l’autre sera forcément affecté.

Alors qu’avec une LUT 3D, pour chaque triplette de valeurs de couleur d’entrée elle définit une triplette de valeurs de sortie. C’est beaucoup plus précis.
De plus, ce type de LUT pourra indépendamment modifier la couleur, le contraste, la teinte, la saturation…

En d’autres termes,
le premier type de LUT (1D) nous permet de faire des modifications un peu comme une courbe de tonalité. Elle est très bien pour régler le contraste, le point blanc, le point noir et la luminosité… Mais elle a une capacité limitée à contrôler les couleurs.

Le deuxième type de LUT (3D) nous permet de modifier le contraste, la luminance et l’exposition ainsi que toute la chrominance de notre image de façon très précise. Ce type de LUT est parfait pour la calibration ou un étalonnage précis avec un résultat au plus proche des couleurs réelles.

Sachez aussi que dans la grande famille des Lut 3D il existe 4 sous-familles :

Lut d’étalonnage ou de Calibration
Lut Technique
Lut Créative
Lut d’Emulation de films

Les lut d’étalonnage corrigent les imprécisions d’affichage d’un écran, en fonction des performances de cet écran-là et de ses limites technologiques. Ces luts sont très importants mais surtout très utiles quand on travail en équipe et qu’il faut calibrer plusieurs écrans de la même façon

Les Lut techniques permettent de réaliser des conversions entre différentes normes, d’un espace colorimétrique à un autre.
On enregistre avec un profil Log le jour du tournage et on va par exemple convertir ce log en Rec 709 (Qui est un autre profil colorimétrique), on connait les valeurs en entrée du profil S-Log on veut convertir ça en Rec 709 (si on connait ses spécificité) – on établit un tableau de correspondance et on a une Lut S-Log vers Rec 709.

On appelle aussi ces Lut des Lut « Look » – elles donnent un look à notre image.
On peut s’en servir dès le tournage sur un écran externe sur lequel on peut mettre des Luts. Comme ça on peut voir le résultat sur notre fichier log pendant le tournage et modifier les paramètres de prises de vues si besoin.
Mais on peut évidemment appliquer cette Lut créative dans le logiciel de montage à l’étalonnage.

Les Lut d’émulation de films sont sensés nous permettre de nous rapprocher du Look d’un film donné. Ces luts sont souvent générés de façon un peu bâtarde en se servant d’une image fixe d’un film comme de référence. Le problème en faisant ça, c’est qu’on ne va pas avoir toutes les données spectrales de notre image et de l’étalonnage de base du film. On a finalement une approximation qui ne va pas contenir toutes les subtilités de l’étalonnage du film d’origine.

Comment les utiliser ?

Maintenant que les bases sont posées, voyons comment les utiliser :

Sur la droite, dans « correction de base » on va pouvoir mettre des Lut de types « technique », et dans « créatif » juste en-dessous on va pouvoir mettre des lut de types « créatif ».

Il y a deux endroits où vous pouvez insérer un fichier LUT dans le panneau Lumetri :

Dans les corrections de bases – « LUT en entrée »
(Le problème c’est qu’en appliquant la LUT ici, on peut dégrader les informations dans l’image, mieux vaut l’insérer dans Créatif)

Le second se trouve dans l’onglet « créatif » dans « look » :

Dans l’onglet Créatif, vous pouvez gérer l’intensité de la LUT que vous voulez donner au plan. Mais vous pouvez également visualiser les différents Lut que vous avez en appuyant sur la flèche de droite et double-cliquez sur l’image pour l’activer.

Au final, souvenez-vous bien de la différence entre les LUT techniques et les LUT créatives :
Les LUT créatives sont celles qu’on crée dans notre coin pour donner un style à notre film
et les LUT techniques servent à s’adapter au format flat de certaines caméra puisque les LOG et les espaces de couleurs peuvent changer entre les boitiers.
Que ce soit pour passer du Sony S-log 2 au Panasonic V-log ou au canon C-log, les Lut techniques permettent d’adapter une colorimétrie en fonction du Log utilisé.

En ce qui concerne l’application d’une LUT ou d’un étalonnage je l’applique toujours sur un calque d’effet pour voir le « avant-après », pour faciliter l’exportation et la retouche et pour ne pas avoir à refaire le même étalonnage sur plusieurs plans.
Pour ça, cliquez ici :

Le rush se rajoutera dans votre bibliothèque et vous n’avez plus qu’à faire un cliquer-glisser sur votre time line :

Une fois que c’est fait, cliquez sur le calque d’effet dans la time line avant d’appliquer une correction colorimétrique. Maintenant, vous pouvez agrandir le calque d’effet pour appliquer la même correction colorimétrique sur plusieurs rushs.

Exporter un LUT :

Sachez aussi que vous pouvez sauvegarder vos étalonnages sur Premiere Pro comme un effet classique :
Faites clic droit sur l’onglet couleur Lumetrie dans les « options d’effet :

Un panneau va s’afficher, nommez votre effet comme vous le souhaitez puis vous pourrez le retrouver dans les onglets effets à droite et dans l’onglet « préconfiguration » :

Pour réutiliser cette config, faites un cliquer-glisser sur votre rush ou dans les options d’effets

Mais vous pouvez aussi sauvegarder vos étalonnages dans une LUT.
Dans le panneau « Lumetri », cliquez sur l’icône entourée en bleu :

Et à partir d’ici, vous pouvez exporter soit en «. Cube » soit en «. Look »

A savoir que le «. Look » est vraiment spécifique à Adobe Premiere et que vous ne pourrez pas l’utiliser de partout, tandis que le «. Cube » est universel.

Gardez en tête qu’il est de bon ton de faire des pauses avec son étalo parfois. On peut par moment travailler des plombes sur un étalo particulier, partir chercher un café, revenir et trouver ce qu’on n’a fait pas top. Donc faites des pauses pour prendre du recul parce qu’au bout d’un moment vous ne verrez plus la différence ou l’importance d’une modification.

Savoir utiliser et exporter les LUT est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Tout savoir sur l’étalonnage – Partie 2

Neel Naja — Thu, 13 Jan 2022 12:36:23 +0000

Nous avons vu dans l’article précédent les corrections de bases, le contraste et les tons ainsi que la balance des blancs et les roues chromatiques. Aujourd’hui, dans cet article sur l’étalonnage nous verrons les outils vectorscope, courbe, TSL et comment utiliser un masque.

Vectorscope et forme d’onde RVB

Faites un clic-droit dans la fenêtre Moniteur Lumetri (à côté des options d’effet) pour faire apparaitre le vectorscope :

Il existe plein d’autres outils mais pour l’instant, concentrons-nous sur le vectorscope YUV :

Ce cercle représente une roue chromatique, et les taches blanches représentent nos couleurs. Plus la tache pointe vers l’extérieur plus celle-ci est saturée.

On considérera qu’une couleur est trop saturée lorsqu’elle dépasse les limites du polygone central :

Lorsque vous modifiez un plan, faites attention aux teintes de peau. Si le plan est trop vert vous pouvez rajouter de la couleur opposée c’est-à-dire du Magenta. Mais si vous le faites à partir de l’onglet température ou teinte dans les corrections de base, vous allez changer toutes les couleurs du plan

Sinon allez dans les roues chromatiques et bougez sur les tons moyens la couleur inverse à celle que vous voulez « supprimer »

Une autre manière de faire (et plus précise) est d’isoler la teinte de peau et de faire la correction colorimétrique à partir de la teinte de peau :

Pour ça, allez dans les options d’effets et dans l’onglet opacité, prenez l’outil plume pour tracer un masque dans votre image

A savoir que pour avoir une teinte de peau naturelle on doit avoir les pixels blanc alignés autour de cette droite :

La vibrance et la saturation tire les couleurs vers l’extérieur du Vectorscope, mais la réalité est un peu plus nuancée. Quand j’augmente la saturation, j’augmente la saturation de toutes mes couleurs en même temps, tandis que la vibrance tente d’uniformiser les différentes couleurs.
Si une couleur de votre plan est déjà un peu saturée mais que vous voulez saturer les autres couleurs ça peut être utile.

Si je regarde la forme d’onde RVB :

Essayez d’avoir les couleurs alignées pour que ce soit « scientifiquement équilibré » et qu’aucune couleur prédomine sur l’autre.

L'outil courbe : savoir modifier les teintes séparément

L’outil courbe présente quatre options :

Le blanc prend en compte toutes les couleurs (et représente l’exposition), mais le rouge, le vert et bleu représentent seulement leur propre couleur.

En haut à droite de cette courbe se trouvent les tons clairs, en bas à gauche se trouvent les tons foncés.

Avec ce genre de courbe, beaucoup de personnes font ce qu’on appelle une « courbe en S » que vous pouvez faire aussi avec les différentes couleurs pour rajouter du contraste.

Juste en-dessous il y a les courbes de saturation et de teinte :

En cliquant sur la pipette à droite …

… Puis sur une couleur de l’image (moi je viens de cliquer sur la veste rouge du jeune homme à gauche) :

Si j’augmente le point du milieu et baisse le reste, on voit que la veste rouge (et les teintes rouge-orangées en général) sortent plus. On a ainsi un effet « sin city » (il aurait fallu dessiner un masque pour que l’effet soit nickel mais c’est pour l’exemple)

Pour rajoutez des points sur la courbe où bon vous semble, appuyez sur ALT puis cliquez avec votre souris où vous le souhaitez sur la courbe :

Dans l’onglet du dessous « Teinte ou teinte » le fonctionnement est le même.

Cet outil-là vous permet de changer la teinte d’une couleur de votre image.
Pour reprendre le même exemple de la veste (après avoir utilisé la pipette) :

Faites attention tout de même en modifiant les teintes de rouge puisqu’il y a des risques de modifier la teinte de peau de votre sujet.

Dans l’onglet suivant :

C’est la luminosité du T-shirt qui changera

En ce qui concerne l’avant-dernier outil, vous n’allez pas sélectionner de teinte mais seulement des luminances pour en modifier sa saturation

Sur le dernier outil :

On a les couleurs les moins saturées à gauche et à droite les couleurs les plus saturées

Je vous conseille donc de tester ce genre d’outil par vous-mêmes pour bien les prendre en main. On apprend tellement mieux par la pratique 😊

Outil TSL (Teinte Saturation Luminance) :

L’outil TSL secondaire permet de modifier des plages de couleurs.

Dans cet onglet vous avez trois paramètres à sélectionner :

La Teinte (H) (« Hue » – en anglais)
la saturation (S) et
La Luminance (G) (Gamma (à savoir qu’en comparaison la chrominance est représentée par le Gamut)

Si vous prenez la pipette :

Et que vous cliquez sur une zone de l’image, l’outil sélectionnera les plages de couleurs correspondantes (la pipette plus permet d’ajouter des couleurs à la sélection et inversement pour la pipette moins) :

Et c’est avec les roues chromatiques du dessous que vous pourrez modifier les plages au préalablement choisies

A savoir qu’en cliquant ici :

Sachez également qu’en cliquant sur cette icône :

Il est plus simple de savoir ce qu’on a sélectionné (représenté par ce qui est en couleur) :

Vous pouvez aussi dans cet outil affiner votre sélection. Par exemple, si je clique là :

Sachez aussi que ce triangle :

Permet d’adoucir la sélection, de créer une plage de transition. Regardez la différence entre ces deux sélections :

Pour affiner encore la sélection, vous pouvez ajouter un peu de flou sur les contours :

Savoir appliquer un masque pour modifier une zone :

Au cours du processus d’étalonnage vous aurez sûrement envie de modifier la colorimétrie d’une zone de votre image et que les modifications ne s’appliquent pas de partout.

Pour ça, prenez l’outil plume dans l’onglet opacité (« tracé Bézier libre ») et faites un masque :

Cliquez sur l’image pour ajouter différents points et délimiter votre zone à modifier (en appuyant sur CTRL et le clic de la souris vous pouvez ajouter ou supprimer des points sur le polygone) :

Une fois que c’est fait, vous pouvez faire toutes les modifications que vous voulez.

Et pour que l’effet ne bouge pas durant la vidéo, faites un tracking du masque avec l’outil clé à molette :

Mais attention : comme l’outil plume et l’outil Bézier on la même icône c’est un abus de langage de les appeler tous les deux de la même façon. Le vrai outil Plume se trouve à côté de votre time line :

Et l’outil Plume à côté de la time line permet de générer « un calque de forme », c’est-à-dire une forme sur laquelle on peut travailler (et qu’on peut animer et modifier dans les options d’effets)

Voilà, c’est tout pour cet article ! N’hésitez pas à poser vos questions en commentaire et nous verrons dans un prochain article comment utiliser et exporter une LUT. A la prochaine !

Tout savoir sur l’étalonnage – Partie 2 est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Tout savoir sur l’étalonnage – Partie 1

Neel Naja — Mon, 10 Jan 2022 11:45:40 +0000

Dans cet article, nous verrons les bases de l’étalonnage point par point et tout ce qu’il vous faut pour bien commencer ! Nous verrons chaque outil que propose Adobe Premiere Pro dans l’ordre et comment les utiliser donc sans plus tarder, c’est parti :

(Pour ceux qui préfèrent regarder une vidéo je vous conseille celle des vidéopreneur)

Avant toute chose :

Essayez d’avoir une exposition parfaite au moment du tournage pour ne pas perdre d’information dans les hautes ou basses lumières. Si malheureusement un de vos rushs est surexposé (on dit que les blancs sont cramés) il n’y aura aucune information à récupérer à cet endroit (de même pour la sous-exposition lorsque les ombres sont bouchées).

Donc, essayez de shooter avec un profil flat (plat en français). Ce type de profil semble presque désaturé, avec très peu de contraste et permet de garder toute la gamme dynamique de l’image

Pour ceux qui ne le savent pas, la gamme dynamique (ou plage dynamique) d’une image (ou d’un capteur) est sa capacité à retranscrire des situations de lumières contrastées. Lorsqu’une scène présente de gros écarts de valeur entre les tons sombres et les tons clairs, tout en gardant de l’information dans ces zones, ont dit que la plage lumineuse est très étendue. En d’autres termes, la dynamique est le rapport entre la plus grande à la plus petite valeur d’une grandeur.
Une plage dynamique faible aura donc tendance à perdre de l’information dans les hautes ou les basses lumières.

Cela étant dit, sachez que le processus d’étalonnage comprend plusieurs étapes :

La correction colorimétrique (color correct) :
ce sont les réglages de bases : exposition, contraste…
Puis l’étalonnage (color grading) :
modification de teintes etc.

Pour ne pas faire de contre-emploi ou détruire l’effet recherché vous devez modifier votre image dans l’ordre. Adobe Premiere Pro n’a pas mis l’ordre des paramètres que vous pouvez-voir ci-dessus au hasard. Ces différents onglets sont affichés dans l’ordre dans lequel les modifier.

Gardez en tête que vous pouvez réinitialiser l’effet Lumetri appliqué en cliquant sur la flèche en haut à droite :

Sur ce, concentrons-nous sur les outils de « Couleur Lumetri » :

Et sans plus attendre commençons avec le premier onglet :

Correction de base :

Cet onglet sur les corrections de bases est assez simple à comprendre donc nous irons vite :

Si vous modifiez un paramètre, vous pouvez revenir à l’état initial en double-cliquant sur le curseur que vous avez bougé.

L’exposition vous permet d’augmenter plus ou moins la luminosité de l’image
Le contraste permet d’accentuer la séparation entre les zones sombres et les zones claires dans votre image. A savoir que, poussé à fond, ce curseur influe un peu sur la saturation des couleurs.

Maintenant, passons aux quatre paramètres suivants :
– Tons clairs
– Tons foncés
– Blancs
– Noirs

Sachez que ces quatre options sont complémentaires et permettent de modifier le contraste de manière plus précise.

Pour comprendre d’avantage ce qu’ils modifient, regardez cette image :

En d’autres termes, chaque curseur permet de pousser l’intensité de chaque ton ou la puissance des blancs et des noirs.

Attentions cependant à ne pas pousser le curseur des noirs à fond pour éviter un phénomène de banding :

Pour ceux qui ne le savent pas, voici la définition qu’en donne « les numériques » :
« Phénomène se manifestant sous forme de bandes horizontales plus sombres que le reste de l’image. Ce défaut est plus facilement visible sur un fond uni et très clair. »
En d’autre terme, le banding (ou effet de bande) crée des bandes par « cassure » de tons dans les dégradés.

Mais plus simplement voici ce que le banding donne en image :

A savoir qu’une image trop contrastée comme celle-ci :

Peut-être rectifier en baissant les tons clairs et en augmentant les tons foncés :

Mais sachez que l’outil « forme d’onde » vous permet de connaitre de manière plus précise le contraste de votre image.

Forme d’onde (luminance) :

Pour trouver l’outil forme d’onde allez dans l’onglet « Fenêtre » puis « Moniteur Lumetri »

Puis faites un clic droit n’importe où dans le panneau Moniteur Lumetri et cliquez sur « forme d’onde globale »

Si vous voulez seulement afficher les tonalités de l’image allez dans « le type de forme d’onde en luminance » :

A SAVOIR :
En sélectionnant « forme d’onde primaire » vous pouvez choisir différents types de « parades »
Mais en sélectionnant « forme d’onde globale » vous pouvez choisir le « type de forme d’onde »

Donc si vous choisissez la forme d’onde en luminance vous devriez avoir quelque chose comme ça qui s’affiche :

Cette onde nous servira à vérifier l’exposition de notre image. Elle se lit de gauche à droite, le pic qu’on voit au milieu représente littéralement la bouteille au milieu de l’image.

Pour ceux qui se demandent pourquoi les valeurs sont numérotées de 0 à 255 :
Sachez qu’un octet (8 bits) peut avoir 256 valeurs différentes. On code donc le rouge, le vert et le bleu avec une valeur comprise entre 0 et 255. Le système produit ainsi 256 à la puissance 3 codes de couleur, soit 16 777 216, trente fois le nombre de couleurs différenciables par l’humain dans de bonnes conditions.

Au niveau du zéro ce sont les pixels totalement noirs, Sachant que le minimum qu’on admet en termes de noir ce n’est pas zéros mais 0,3 ; et le maximum 100 ça va être ce qui est totalement blanc dans notre image.

Du coup, en regardant cette forme d’onde vous pouvez directement définir le point blanc et le point noir (dans les corrections de base) et être sûr de ne pas vous tromper :

Au final, cette courbe représente l’exposition des pixels uniquement en noir et blanc :
Sur ce graphique, la valeur 0 (à gauche) représente le noir absolu et la valeur 100 le blanc absolu.

Si vous augmentez le contraste d’une image tout en regardant cette courbe vous remarquerez que les tons clairs et les tons foncés vont s’éloigner les uns des autres.
En d’autres termes le contraste rapproche les tons foncés de la valeur 0 et les tons clairs de la valeur 100.

Si en bougeant les différents curseurs (contraste, blanc, noir etc.) vous voyez l’onde adopter une position comme sur l’image ci-dessus, c’est que certaines parties de vos images sont surexposées (cramées) ou sous-exposées (bouchées). Donc faites attention à ne pas dépasser les valeurs de 100 et 0,3.

Vous pouvez aussi faire un clic droit dans la fenêtre « Moniteur Lumetri » et cliquez sur « forme d’onde primaire (RVB) » pour voir la répartition du rouge, du vert et du bleu dans votre image.

Maitriser les teintes et la balance des blancs :

Pour continuer dans les « corrections de base », vous avez, en haut, des paramètres concernant la balance des blancs :

A savoir que cette petite pipette permet de designer ce qui est blanc dans l’image pour refaire une balance des blancs en post prod. Cliquez sur la pipette et cliquez ensuite sur un bout de l’image qui possède du blanc pour rééquilibrer les teintes.

Pour ce qui concerne le second curseur (température), gardez en tête que les teintes bleutées et orangées sont assez courantes dans la vraie vie. Si le ciel est orangé ça ne posera pas de problème, mais à partir du moment où vous bougez le troisième curseur (teinte), faites attention. Parce que les nuances de Vert et de Magenta font beaucoup moins naturel…
A savoir par exemple que certains boitiers Sony captent plus de vert comparé à d’autres boitiers ; ce sera le moment de rajouter un peu de Magenta pour contrebalancer.

Mais attention, si vous poussez seulement un curseur comme ceci :

Le résultat fait un peu amateur… toutes les teintes sont changées de manière uniforme. Ce qui est important c’est que les blancs restent blancs et les noirs restent noirs. Donc pour ça vous devez ouvrir le panneau « Roues chromatiques et correspondance »

Roues chromatiques :

C’est avec l’outil « Roues chromatiques » que nous pourrons refroidir ou réchauffer notre plan de manière ponctuelle.
Mettre ensemble deux couleurs complémentaires (comme l’orange pour la peau et le bleu pour le fond) permet accessoirement de mieux détacher votre sujet du fond, donc pensez-y 😊

C’est là qu’on va modifier l’intensité des ombres et des tons clairs, qu’on va ajouter peut-être du bleu dans les tons foncés et du jaune dans les tons clairs.

Donc utilisez l’outil « température » (dans les corrections de base) pour des ajustements mineurs et les roues chromatiques pour des ajustements plus précis.

Si vous avez trop d’une couleur ajoutez sa couleur opposée pour contre- balancer

A savoir que vous avez également des roues chromatiques dans l’onglet « Créatif » :

Après tout dépend des techniques, des envies et des styles, mais pour la petite astuce :
vous pouvez ajouter pas mal de « vibrance » (qui va d’abord donner un résultat peu réaliste avec des couleurs bien présentes, bien vives) et contre-carrer cet ajout de vibrance excessif en enlevant un peu de « saturation » pour retrouver quelque chose de plus ou moins naturel.

De plus, je me répète, gardez en tête que les onglets d’étalonnage sont mis dans l’ordre dans lequel on doit les utiliser. Donc commencez par utilisez les roues chromatiques dans l’onglet créatif avant de rentrer dans l’onglet spécifique aux roues chromatiques.

Conclusion :

Dans cet article nous avons vu les corrections de bases, le contraste et les tons ainsi que la balance des blancs et les roues chromatiques. Nous verrons dans un prochain article les outils vectorscope, courbe, TSL et comment utiliser un masque et un LUT. Posez vos questions en commentaire et à la prochaine pour un autre article !

Tout savoir sur l’étalonnage – Partie 1 est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Typographie Photoshop : Effet de néon :

Neel Naja — Mon, 06 Dec 2021 16:40:06 +0000

Dans cet article nous verrons comment reproduire l’effet néon ci-dessus sur Photoshop. Le tuto est très simple alors sans plus attendre, entrons dans le vif du sujet !

Partie 1 : Ecrivez votre mot :

Faites CTRL + N pour créer un nouveau document et ensuite écrivez un mot sur un autre calque.
Que ce soit avec l’outil pinceau ou avec une typo particulière de l’outil texte.

Faites CTRL + I sur votre calque de fond pour que les lettres ne ressortent plus :

Partie 2 : Appliquer les lueurs :

Ensuite double cliquez sur le calque de texte pour ouvrir une fenêtre d’option :

Essayez de sélectionner une couleur un peu vive pour que l’effet fonctionne mieux.

Ensuite réglez les paramètres de votre lueur interne. Concernant les différents curseurs que je n’ai pas surlignés, c’est à vous de les régler un peu selon vos envies, essayez de voir l’effet que ça a sur votre lettrage.

Puis ajoutez une « lueur externe » :

Donc pour ça reprenez la même couleur que vous avez pris au début.
Quand vous êtes dans la fenêtre d’option « incrustation couleur » :

Vous cliquez sur le carré bleu (à droite) pour ouvrir la fenêtre de gauche.
Et vous copiez-collez la couleur ici :

Ensuite vous l’appliquez dans cette fenêtre d’option :

Puis vous faites les réglages suivants :

Ce qui va vous donner ce résultat :

Continuez dans les réglages « style de calque » pour utiliser les options d’ombres portées comme lueur externe.
Pour ça mettez bien la « distance » à zéro (pour éviter un décalage avec la « vraie » lueur externe) comme dans les réglages suivants :

Et ainsi faire d’autres réglages – comme rajouter de la distance pour faire un effet de reflet, ou changer de couleur pour mélanger les teintes.

Partie 3 : Fignolez le travail :

Maintenant que le plus dur est fait vous pouvez importer une autre image d’une banque libre de droit pour rajouter un fond, gérer les contrastes et les teintes ou même utiliser les masques de fusions pour des effets en plus.

N’hésitez pas à partager cet article à ceux que ça pourrait intéresser et à commenter si vous avez des questions.

A la prochaine pour un autre article.

Typographie Photoshop : Effet de néon : est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !

Importer un objet/image dans un autre décor (Photoshop) les erreurs à ne pas faire :

Neel Naja — Wed, 20 Oct 2021 15:45:38 +0000

Dans cet article nous verrons comment importer un objet dans un autre décor et les erreurs à ne pas faire. Il est construit de manière a faire l’erreur en amont pour la corriger ensuite. Donc si vous voulez allez plus vite, apprenez seulement les parties ou j’explique les erreurs.

Avant de commencer, pour ouvrir votre image dans Photoshop, ne faites pas « Importer » mais « Ouvrir ».

Partie 1 : Rapetisser le sujet :

Utilisez la baguette magique pour sélectionner votre sujet :

Astuce : vous pouvez zoomer dans l’image en appuyant sur ALT + (roulette de la souris).

Pour supprimer un bout de sélection, faites ALT et le + se transforme en -.

Pour vous déplacer verticalement utilisez la roulette de la souris
Pour vous déplacer horizontalement, utilisez la roulette de la souris tout en appuyant sur CTRL.

Une fois que votre sélection est faite : (Vous pouvez rester grossier pour le moment puisque ce n’est qu’un exemple)
Mais, à savoir que les éléments qui ne sont pas sélectionner au début ne peuvent être récupérer plus tard donc appliquez-vous a détourer correctement chaque sujet.

Faites apparaitre la palette des couches. En cliquant dans :

Ensuite on va mémoriser notre sélection :

Une fois que votre sélection est faite, vous pouvez la déplacer dans un autre décor en cliquant sur :

On peut donc faire une « Transformation manuelle » (CTRL + T)

Et j’enfonce la touche MAJ pour garder les proportions.

Quelques problèmes :

Dans ce premier exemple il y a deux erreurs.
Et afin de les mettre en valeur je vais positionner mon image d’origine à côté de mon image rapetissée.
(Pour cela je fais disparaitre les outils de l’écran en appuyant sur MAJ + tabulation.)
(Et si vous voulez revenir à un mode d’affichage avec une fenêtre vous pouvez cliquer dans « fenêtre » – « réorganiser» – « tout regrouper dans des onglets »)

Puis je vais dans l’onglet « fenêtre » – « 2 vignettes verticales » pour avoir les images côte à côte.

Première erreur : ne jamais diminuer le sujet quand on peut agrandir le décor.
En réduisant la taille du cerf, j’ai aussi réduit les pixels qui le composent. Il faut que le cerf soit dans le décor mais qu’il ait le même nombre de pixels. Là je l’ai presque réduit au tiers de sa largeur et de sa hauteur ce qui lui fait neuf fois moins de pixels.
Si je zoom dans l’image je perds en qualité. Donc pour des montages complexes, cela peut être gênant.

En zoomant sur l’œil je m’aperçois que la perte de qualité est flagrante :

Vous devez donc multiplier la taille des pixels avant de le déplacer dans un autre décor :

Pour cela on va dans « image » – « taille de l’image » lorsqu’on est sur le décor

Et pour mettre 16 fois plus de pixels dans l’image par exemple (si votre ordinateur est assez puissant) rentrez les réglages suivants :

Tant qu’on n’imprime pas, pour l’instant la résolution on s’en fiche.

Même s’il existe plusieurs méthodes de multiplication des pixels, Photoshop n’invente pas de détails, il permet juste de zoomer sans trop perdre de qualité.

Donc une fois que la taille du décor a été multipliée, je peux déplacer mon sujet dedans. Et mon sujet est plus petit directement contrairement à la manipulation du début.

Maintenant si je zoome, je ne perds pas en qualité.

Et si les couleurs changent ? :

Cela provient en général du profil colorimétrique des images qui est différent.
Il suffit pour cela de lui attribuer un nouveau profil en sRGB.

Pour cela on va dans « Edition » – « Attribuer un profil »

Partie 2 : importer le sujet (Méthode avancée)

Même si la première manière fonctionne, elle est très simpliste et ne permet pas trop de liberté d’actions.

Revenons un peu en arrière…

Une fois votre sujet sélectionné allez dans le menu « calque » – « masque de fusion » – « faire apparaitre la sélection ».

Le masque de fusion est ce qui apparait sur la droite. Si vous appuyez sur MAJ en cliquant dessus il disparait :

En fait, en utilisant cette technique, on va importer la totalité de l’image du cerf dans l’image du décor, mais le masque de fusion ne fera apparaitre que le sujet.

Ce qui nous permettra par la suite de refaire une sélection plus précise du sujet plutôt qu’avec la baguette magique.

Donc pour déplacer le sujet vous pouvez prendre un outil de sélection comme dans le premier exemple ou déplacer le calque qui contient le masque de fusion en cliquer – glisser.

Lorsqu’on modifie la taille du sujet avec une transformation manuelle, rester appuyé sur MAJ conserve ses proportions, et la touche ALT lui fait conserver sa place dans l’image.

A partir de là, vous pouvez rester sur votre montage et fermer l’image qui contenait le sujet. En effet, la totalité de l’image du cerf est maintenant comprise dans le décor.

Donc appuyez sur F pour passer en mode plein écran.
Et Appuyer sur la barre espace pour se mouvoir dans la fenêtre (une main apparait et vous n’avez qu’a cliquez puis faire glisser la souris)

Améliorer les contours de la baguette magique :

Cliquez dans le menu « Fenêtre » puis « Couches »

Et en appuyant sur le petit carré à gauche de Calque 1 (dans la palette des couches) vous allez pouvoir faire apparaitre la sélection sur un fond rouge :

Ensuite, retournez dans la partie Calque :

Donc en cliquant sur le masque de fusion comme ci-dessus et sur le calque 1 dans la palette des couches on obtient ceci :

(Si vous avez un sujet rouge vous pouvez changer la couleur en double-cliquant sur le masque 1 de la palette des couches)

Mais moi je vais rester en rouge pour cet exercice.

Donc ensuite pour travailler sur un masque de fusion on utilise le pinceau Noir ou le pinceau Blanc

Peindre en Noir aux endroits où il faut faire disparaitre des trucs.
Peindre en Blanc où il y a des choses à faire apparaitre.

Après avoir sélectionné le pinceau, vous pouvez régler ses paramètres en appuyant sur CTRL + ALT + clic droit sur PC (gauche sur MAC), on garde enfoncé et on fait glisser sur l’image :

De haut en bas: C’est la dureté de la brosse qui va changer. Plus c’est « mou » plus le cercle aura un contour flou.
De droite à gauche : c’est la taille de la brosse qui va changer cette fois-ci.

Dans cet exemple là je vais souvent changer le diamètre de ma brosse mais peu sa dureté. Comme les poils du Cerfs sont assez délimités je peux mettre ma dureté proche de 100. Cependant, si l’animal a une grosse fourrure et des poils au vent, il faut essayer de réduire la dureté et donner à votre brosse un contour plus flou.

Vérifiez que vous êtes en mode « Normal » donc « recouvrant » avec une opacité de 100%.

Ensuite c’est le travail manuel qui prend le relais.
Pour cela vous allez devoir régulièrement utiliser :

La barre d’espace pour se déplacer dans la fenêtre.
ALT + roulette pour zoomer.
CTRL + ALT + clic droit sur PC pour régler le diamètre des pinceaux.

Comme le travail est un peu long et fastidieux, je vous conseille de placer vos différents objets dans l’image (si vous faites un montage avec plusieurs photos) et ensuite d’utiliser le pinceau sur tous ces sujets.

Quand vous faites les modifications, si le calque 1 dans la palette des couches est désélectionné et que ce sont une ou plusieurs couches qui sont sélectionnées à la place, vous aurez des traits de couleurs.

Une fois le travail terminé :

Importer un objet/image dans un autre décor (Photoshop) les erreurs à ne pas faire : est un article de , le blog qui vous aide à tirer le meilleur de l'audiovisuel !